Барокко как художественное течение

Тип работы:
Контрольная
Предмет:
Культура и искусство


Узнать стоимость

Детальная информация о работе

Выдержка из работы

Нижегородский филиал Московского Университета экономики, статистики и информатики

Реферат

По дисциплине: Культурология

На тему: Барокко как художественное течение

Нижний Новгород

2009 г.

Содержание

Введение

1. Европейское барокко

1.1 Джованни Лоренцо Бернини

1.2 Диего Веласкес

1.3 Питер Пауль Рубенс

1.4 Антонис Ван Дейк

2. Русское барокко

2.1 Варфоломей Варфоломеевич Растрелли

Заключение

Введение

Барокко (итал. Barocco, буквально -- причудливый, вычурный) — стиль, преобладавший в искусстве Европы с конца 16 до середины 18 века и охвативший все виды творчества, наиболее монументально и мощно проявившись в архитектуре и изобразительном искусстве.

Барокко явилось развитием принципов, заложенных в эпоху Возрождения, однако в связи с радикальным изменением главной эстетической установки (уже не сотворческое следование природе, а совершенствование ее в духе идеальных норм красоты) придал этим принципам новый грандиозный размах, бурную динамику, изощренную декоративность.

Любовь к прихотливой метафоре, словесной или зрительной, к аллегории (иносказание, изображение отвлеченной идеи (понятия) посредством образа) и эмблеме (от греч. emblema -- рельефное украшение) достигает теперь, казалось бы, своего апогея; однако сквозь причудливые, порой полуфантастические формы и смыслы, сквозь все метаморфозы в барокко проступает крепкое натурное начало (к примеру, витиеватые декоративные детали архитектуры постоянно в духе анаморфозы (греч. аna -- на, сверх и morfe -- форма, эффект наложения одного изобразительного мотива на другой, их зрительного слияния), уподобляются живым природным стихиям, а литературный язык обретает новую живописность, порой еще теснее сближаясь с национальными традициями фольклора. Различные виды искусства взаимодействуют (в сравнении с Ренессансом) более активно, составляя многогранный, но единый «театр жизни», сопутствующий реальному бытию в виде его праздничного двойника.

История и география

Высшие триумфы барокко как стиля риторического, активно и властно захватывающего зрителя, в значительной мере стиля пропагандистского, принято связывать с укреплением абсолютистских монархий, с Контрреформацией (церковно-политическое движение в Европе середины 16−17 веков во главе с папством, направленное против Реформации). В основу программы контрреформации легли решения Тридентского собора 1545−1563 годов. Осуществлялась в основном с помощью инквизиции. Активные проводники контрреформации -- монашеские ордена, как главным курсом тогдашнего папского престола. Действительно, крупнейшие его мастера, законодатели вкуса, такие (если говорить только об изобразительном искусстве и архитектуре), как Джованни Лоренцо Бернини, Франческо Борромини в Италии, Диего Веласкес в Испании, Питер Пауль Рубенс и Антонис Ван Дейк во Фландрии, работают в католической среде; однако религиозные и политические программы их образов нисколько не подавляют силу творческой личности, являющей свою гуманистическую мудрость в строгих условиях придворного этикета или церковного ритуала.

Свой, более скромный и камерный вариант барокко, складывается в странах протестантского культа, например, в Голландии, где итальянские влияния служат -- как и в целом ряде других мест -- лишь внешним стимулом национальной самобытности (этот стимул разнообразно сказывается в искусстве Рембрандта, Ф. Хальса и даже Я. Вермера).

Сам по себе стиль идейно и пластически многомерен: в Италии и Голландии, но в первую очередь во Франции внутри него нарождаются более строгие и рационалистичные черты раннего классицизма, по праву называемого «барочным классицизмом» (наиболее знаменитый пример его -- Версаль). В 17−18 веках барокко интенсивно распространяется в Латинской Америке, порождая наиболее декоративно-пышный вариант в мексиканском «ультрабарокко», а также в Восточной Европе, в том числе в Белоруссии и на Украине.

1. Европейское барокко

1.1 Джованни Лоренцо Бернини

Джованни Лоренцо (Джанлоренцо) Бернини (7 декабря 1598, Неаполь -- 28 ноября 1680, Рим), итальянский художник, виртуоз скульптуры и архитектуры (а также архитектурно-скульптурного синтеза), один из законодателей вкуса эпохи барокко.

Ранние произведения

Учился у отца, скульптора и живописца Пьетро Бернини, в Риме, куда семья переехала около 1605. Особое влияние на молодого художника оказала живопись болонской школы, а также античная скульптура, которой он страстно поклонялся всю жизнь.

Уже ранние скульптуры Бернини («Давид», 1619; «Похищение Прозерпины», 1621; «Аполлон и Дафна», 1622−1625) свидетельствуют об исключительном даровании; стремясь сделать любимый свой материал, мрамор, податливым, «как воск», он добивается беспрецедентной динамики форм, сложных живописных эффектов.

«Аполлон и Дафна»

Динамика для Бернини является очень существенным элементом художественного решения. Скульптурная группа «Аполлон и Дафна», в которой фигуры отклонены от вертикальной оси, а постамента касается только правая нога Аполлона, очень динамична. Движение трактовано как процесс, и в результате зритель становится свидетелем погони Аполлона, видит, как он уже настигает Дафну и как нимфа, молившая богов о спасении, превращается в лавровое дерево. Эта литературность замысла, характерная для пластики барокко, как и динамика композиции (движение олицетворяет для барокко саму стихию жизни), помогает конкретизации и убедительности изображения.

Портреты

Весьма рано (около 1610) он заявляет о себе и как мастер скульптурного портрета. Исполненные им портретные бюсты кардинала Шипионе Боргезе (1632, там же) и возлюбленной художника Констанцы Буонарелли (около 1635) принадлежат к непревзойденным шедеврам этого вида искусства, впечатляя живым полнокровием характеров и эмоций. Патетического величия полны образы герцога Франческо дЭсте (1650−51) и Людовика XIV (1665), в которых Бернини создал канон придворного скульптурного портрета, вызвавший массу подражаний.

Работая и как живописец, и как график, он оставил замечательные по экспрессии этюды, а также целый ряд остроумных шаржей (став одним из основоположников искусства карикатуры).

Церковная скульптура и декор

Любимец папского двора (ему особенно покровительствовали папы Урбан VIII и Александр VII), Бернини получал многие из самых ответственных церковных заказов. Назначенный в 1629 главным архитектором собора Святого Петра, он в 1624−33 возвел под его куполом величественный и динамичный в своей монументальной живописности бронзовый балдахин-киворий над главным алтарем; основу его конструкции составляют спиралевидно изгибающиеся колонны, рождающие эффект непрерывного роста. Установленная им в одной из ниш собора гробница Урбана VIII (1628−47) продолжает традицию ренессансного «триумфального» надгробия, придавая ей новое пластическое красноречие.

Впав в немилость при папе Иннокентии X и временно удаленный в середине 1640-х от папского двора, он создает вне Ватикана известнейшее свое скульптурное произведение «Экстаз святой Терезы» (1645−52) в капелле Корнаро римской церкви Санта Мария делла Виттория. Мистический экстаз святой переходит тут в чувственно-эротическое переживание, камень мрамор обращается в массу изломанных, невесомых форм.

Со 2-й половины 1650-х Бернини вновь работает в соборе Святого Петра, создает здесь бронзовую «кафедру св. Петра» (1656−1665), украшенную статуями отцов Церкви и ангелов, а также торжественное надгробие папы Александра VII (1671−78). В этих произведениях -- при всей их живописной риторике -- усиливаются черты углубленного драматизма.

Ф. Борромини (Borromini) Франческо (1599−1667), итальянский архитектор. Виртуозный представитель причудливого живописного искусства зрелого барокко (церкви Сан-Карло алле Куатро Фонтане, 1634−67, Сант-Иво, 1642−60, в Риме).

1.2 Диего Веласкес

Д. Веласкес (Родригес де Сильва Веласкес) (Rodriguez de Silva Velasquez) Диего (1599−1660), испанский живописец. Придворный живописец Филиппа IV (с 1623). Картины на религиозные, мифологические («Вакх», ок. 1628−29), исторические («Сдача Бреды», 1634) сюжеты, сцены из народной жизни («Завтрак», ок. 1617−18), острохарактерные портреты («Иннокентий X», 1650; групповой портрет «Менины», 1656), правдивые и поэтичные сцены труда («Пряхи», 1657). Живопись Веласкеса отличается смелостью реалистических наблюдений, умением проникнуть в характер модели, обостренным чувством гармонии, тонкостью и насыщенностью колорита.

Биография

Происходил из небогатой дворянской семьи. Учился в Севилье у Ф. Эрреры-Старшего и у Ф. Пачеко (1611−17), на дочери которого Хуане Миранде, женился в 1618. В 1617 получил звание мастера. Работал в Севилье и Мадриде, куда переехал в 1623, назначенный придворным художником с исключительным правом писать портреты короля. Занимал различные должности при дворе Филиппа IV, вплоть до гофмаршала двора в 1652; в круг его служебных обязанностей, отнимавших много сил и времени, входила организация всех празднеств, приемов, убранство дворцовых покоев, а также пополнение королевских собраний произведениями искусства. Превосходя современных ему испанских художников не только творческим диапазоном, но и смелостью и новизной художественных решений, Веласкес писал картины на жанровые, мифологические, исторические, религиозные сюжеты, портреты, пейзажи. Человек высокого нравственного благородства, он был назван современниками «художником Истины».

Севильский период. Бодегоны

Самостоятельность проявилась уже в ранних полотнах севильского периода, созданных в жанре бодегонов (от исп. bodegon -- трактир, харчевня), изображавших скудные завтраки, кухонные сцены с немногими полуфигурами и выделенными на переднем плане натюрмортами. В этих произведениях с резкими светотеневыми контрастами, тяжелой и плотной живописью, отмеченных воздействием школы Караваджо, господствуют полные естественного достоинства запоминающиеся народные типы («Завтрак», ок. 1617−18, «Старая кухарка», ок. 1620, «Завтрак двух юношей», «Водонос», ок. 1621). К жанру бодегонов относятся и немногочисленные ранние религиозные картины Веласкеса: «Поклонение волхвов» (1619, Прадо); «Христос в доме Марфы и Марии» (ок. 1620, Национальная галерея, Лондон).

Мадридский период

Жизнь в Мадриде, открывшая Веласкесу возможность внимательного изучения ценнейших королевских собраний живописи (в том числе произведений Тициана), близость с испанской культурной элитой, встречи с посетившим в 1628 Мадрид Рубенсом, первая поездка в Италию (1629−1631) содействовали расширению его художественного кругозора и совершенствованию мастерства. В необычных для испанской традиции картинах на античные сюжеты («Вакх» или «Пьяницы», 1628−1629, «Кузница Вулкана», 1630 -- обе в Прадо), с их острым чувством житейской достоверности и оттенком иронии, мифологические образы соединены со сценами, приближенными к реальности.

Портреты 1630−40

Качества новой свободной живописи Веласкеса, его интерес к изображению пейзажной среды (два небольших пейзажа виллы Медичи и Прадо были написаны им на открытом воздухе при естественном свете), стремление наполнить жизнью схемы парадных изображений отличают его работы после возвращения из Италии -- так называемые конные (1634−35) и охотничьи (1634−36) портреты короля, его семьи, премьер-министра Оливареса для дворцов Буэн-Ретиро и Торре де ла Парада (все в Прадо). В портретах Веласкеса обычно отсутствуют аксессуары, жест, движение. Серо-коричневый фон кажется воздушным, обладающим глубиной, свободно положенные мазки образуют тончайший слой, сквозь который просвечивает крупнозернистый холст. Строгая темная гамма оживлена изысканнейшими сочетаниями серого и красно-розового, зеленоватого и серо-оливкового, черного и золотого. Поразительны эффекты серых тонов, то более темных, мягких, бархатистых, то достигающих чистого, свежего жемчужного оттенка. Портретируя короля, сановников, придворных, друзей, учеников, Веласкес изображает человека таким, каков он есть, в слиянии самых разноречивых черт характера, будь то жестокий временщик Оливарес (ок. 1633, Эрмитаж), хмурый вельможа Хуан Матеос (ок. 1632, Картинная галерея, Дрезден), итальянский кардинал Камило Асталли (1649−50, Музей Испанского общества в Америке, Нью-Йорк), полный внутренней энергии неизвестный кабальеро (возможно Алонсо Кано, 1630-е гг., музей Веллингтон, Лондон), погруженный в свою работу скульптор Х. Мартинес Монтаньес (1635−38, Прадо) или овеянная благородным изяществом «Дама с веером» (ок. 1648, галерея Уоллес, Лондон).

В портретах королевских карликов и шутов Веласкес с непредвзятой зоркостью взгляда раскрывает их характеры, душевное состояние, мир переживаний, поднимающийся подчас до скорбного трагизма («Барбаросса», 1636−38; «Эль Бобо дель Кориа», ок. 1637−39; «Эль Примо», 1644; «Себастьяно дель Морра», ок. 1643−44; «Мальчик из Вальескаса», ок. 1644, «Хуан Австрийский», начало 1650-х гг. -- все Прадо). В парных картинах «Менипп» и «Эзоп» (1639−40, Прадо,), предстают образы людей, опустившихся нищих бродяг и отвергнутых обществом, но обретших внутреннюю свободу от сковывающих личность условностей. Интеллектуальная содержательность сатирика Мениппа выражена в его ироническом, недобром отношении к миру, в образе баснописца Эзопа -- грустное безразличие и мудрость человека, изведавшего истинную цену жизни. К тому же периоду, по-видимому, относится его шедевр «Венера с зеркалом» (до 1651, Национальная галерея, Лондон), редчайшее в истории испанской живописи изображение обнаженного женского тела, сюжет, запрещаемый инквизицией.

В Италии

Второй поездке Веласкеса в Италию (1649−51) сопутствовал традиционный успех. Портрет его ученика мулата Хуана Парехи (1644−50; Нью-Йорк, Метрополитен-музей) был восторженно встречен в римских художественных кругах. Веласкес был избран членом римской Академии св. Луки и общества виртуозов Пантеона. Портрет римского папы Иннокентия X (1650, галерея Дориа-Памфили, Рим), необычайно смелый по откровенности образ (принимая его, Иннокентий Х воскликнул: «Слишком правдиво!») стал самым знаменитым созданием Веласкеса за пределами Испании; в Риме его без конца копировали.

Портреты 1650-х гг.

1650-е гг. -- время самых высоких творческих свершений Веласкеса. Вдохновенным артистизмом, смелостью живописных находок отмечены поздние женские и детские портреты особ королевского дома (королева Марианна Австрийская, ок. 1649, Прадо; инфанта Мария Тереза, 1651, собрание Леман, Нью-Йорк; 1653 Музей истории искусства, Вена; инфанта Маргарита, 1653; 1659, там же; 1656, Лувр; 1660, Прадо; инфант Филипп Просперо, 1659, Музей истории искусства, Вена). Глубокой психологической характеристикой отмечен портрет стареющего Филиппа IV (1655−56, Прадо, авторское повторение в Национальной галерее в Лондоне).

1.3 Питер Пауль Рубенс

Рубенс (Rubens) Питер Пауль (28 июня 1577, Зиген, Германия -- 30 мая 1640, Антверпен), фламандский живописец, рисовальщик, глава фламандской школы живописи барокко.

Характерные для барокко приподнятость, патетика, бурное движение, декоративный блеск колорита неотделимы в искусстве Рубенса от чувственной красоты образов, смелых реалистических наблюдений. Картины на религиозные и мифологические сюжеты («Снятие с креста», около 1611−1614, «Персей и Андромеда», около 1620−1621), историко-аллегорические полотна (цикл «История Марии Медичи», около 1622−1625), проникнутые демократическим духом и ощущением могучих природных сил пейзажи и сцены крестьянской жизни («Возвращение жнецов», около 1635−1640), полные живого обаяния портреты («Камеристка», около 1625). Живописи Рубенса присущи уверенная свободная манера, выразительная пластическая лепка, тонкость красочных градаций. В мастерской Рубенса работали А. Ван Дейк, Я. Йорданс, Ф. Снейдерс.

Рубенс проявил себя также как ученый-гуманист, философ, археолог, архитектор, выдающийся коллекционер, знаток нумизматики, государственный деятель и дипломат. По мощи таланта и многогранности дарования, глубине знаний и жизненной энергии Рубенс принадлежит к числу самых блестящих фигур европейской культуры 17 века. Современники называли его королем художников и художником королей.

Родился в семье антверпенского адвоката Яна Рубенса, эмигрировавшего во время гражданской войны в Нидерландах в Германию. После смерти отца в 1589 мать Рубенса с детьми вернулась в Антверпен, где Рубенс окончил латинскую школу, получив прекрасное гуманитарное образование. Рано заинтересовавшись живописью, учился у малозначительных художников Т. Верхахта (1591), А. Ван Норта (ок. 1591−99), О. Вениуса (Ван Вена; ок. 1594−98). В 1598 принят в Антверпене в гильдию живописцев св. Луки.

Итальянский период

В 1600−08 Рубенс жил и работал в Италии (Венеция, Мантуя, Флоренция, Рим, Генуя). В 1600 он стал придворным живописцем мантуанского герцога Винченцо Гонзага, пославшего его в 1603 с дипломатическим поручением в Испанию. Годы, проведенные в Италии, были заполнены не только работой над алтарными картинами для римских, мантуанских и генуэзских церквей, над портретами («Автопортрет с мантуанскими друзьями», ок. 1606, музей Вальраф-Рихартц, Кельн; «Маркиза Бриджида Спинола-Дориа», 1606−07, Национальная галерея, Вашингтон), но и изучением произведений античной скульптуры, Микеланджело, Тициана, Тинторетто, Веронезе, Корреджо, Караваджо, современных ему болонских живописцев.

Темы и жанры

Рубенс обращался к темам Ветхого и Нового Завета, к изображению святых, к античной мифологии и историческим сюжетам, к аллегории, бытовому жанру, портрету, пейзажу. Великий живописец, он был также великим мастером рисунка (этюды с натуры, самостоятельные композиции, портреты, зарисовки; сохранилось около 300 рисунков). Искусство Рубенса, отличающееся живым и мощным ощущением натуры и неистощимой фантазией, насыщено разнообразными сюжетами, действием, обилием фигур и аксессуаров, патетическими жестами. Художник запечатлевал своих героев подчеркнуто телесными, в расцвете тяжеловесной красоты. Свойственные барокко черты условности и внешней, иногда ложной, экзальтации отступают у Рубенса перед могучим напором живой реальности.

Живопись 1610-х гг.

Пафос бурной космической динамики, борьбы противостоящих сил господствует в огромных декоративных полотнах: «Страшный суд», «Малый Страшный суд», «Падение грешников», «Битва амазонок» (1610-е гг). Стихия первозданного хаоса подчинена безупречно организованной композиции, построенной по диагонали, эллипсу, спирали, на контрастах темных и светлых силуэтов, цветовых сочетаний и пятен, потоков света и затененных живописных масс, сложной игре ритмических созвучий. Яростная схватка людей с дикими животными воплощена в сценах охот -- новом, созданном Рубенсом жанре фламандской живописи, который отличался то более условным характером («Охота на крокодила и гиппопотама; «Охота на кабана», 1615; «Охота на львов», 1615−18), то приближением к реальности, сочетанием анималистического жанра и пейзажа («Охота на кабана», ок. 1618−20). Тема борьбы человека с силами природы присутствует уже в ранних, собственно пейзажных работах художника («Возчики камней», ок. 1620).

Дух жизнеутверждающего оптимизма отличает картины Рубенса на античные темы с их торжественным ритмом, величием и полнокровностью образов, наделенных подчас грузноватой телесностью («Статуя Цереры», между 1612 и 1614; «Венера и Адонис», 1615; «Союз Земли в Воды», ок.; «Возвращение Дианы с охоты», ок. 1615−16, «Венера перед зеркалом», 1615−16), сцены «Вакханалий», прославляющие жизнь природы и щедрое плодородие земли («Вакханалия», 1615−20 «Шествие Силена», 1618).

Живопись 1620-х гг.

В 1620-е гг. Рубенс достигает единства цветового звучания картин, которое строится на сложнейшей гамме рефлексов и оттенков, легко и прозрачно положенных голубоватых теней и светлых красок («Персей и Андромеда», 1620−21. Совместно с мастерской «художник королей» выполняет крупнейшие заказы королевских дворов Европы. Он посещает Францию, создает цикл из 21 огромного полотна для одной из галерей Люксембургского дворца в Париже, посвященный жизни королевы Марии Медичи (1622−25). Это новый тип исторической картины, достоверной по изображению обстановки и конкретных персонажей, но облаченной в пышную аллегорическую форму. В 1620-е гг. Рубенс создает новый жанр европейского парадного барочного портрета, подчеркивающего социальную значимость модели (портрет Марии Медичи, 1622). Особое место занимает тончайший по прозрачной живописи портрет камеристки инфанты Изабеллы (середина 1620-х гг.).

Тяжело пережив смерть Изабеллы Брант в 1622, Рубенс ищет отвлечения в активной дипломатической деятельности, посещает Испанию, Англию, Голландию.

Поздний период

Женитьба Рубенса в 1630 на шестнадцатилетней Елене Фаурмент стала новым этапом его жизни, исполненным безмятежного семейного счастья. Он приобретает поместье, включающее замок Стен (отсюда название этого периода -- «стеновский»). Разочаровавшись в придворной карьере и дипломатической деятельности, он целиком отдается творчеству. Мастерство позднего Рубенса с блеском проявляется в сравнительно небольших, собственноручно исполненных произведениях. Образ молодой жены становится лейтмотивом его творчества. Идеал белокурой красавицы с пышным чувственным телом и красивым разрезом больших блестящих глаз сложился в произведениях мастера задолго до того, как Елена вошла в его жизнь, превратившись, наконец, в зримое воплощение этого идеала. Рубенс пишет Елену в виде библейской Вирсавии (1635, Картинная галерея, Дрезден), богини Венеры («Суд Париса», ок. 1638), одной из трех граций (ок. 1639), включает ее изображение в картину «Сад любви» (ок. 1635 -- все в Прадо), словно наполненную смехом и возгласами молодых пар, собравшихся в парке, шелестом шелковых платьев, трепетом света и воздуха. Многочисленны портреты Елены в свадебном наряде, с детьми (Лувр), со старшим сыном Францем, на прогулке с мужем в саду (Старая пинакотека, Мюнхен). Художник создает редкий по откровенности личного чувства и пленительности живописи образ обнаженной Елены с накинутой на плечи бархатной, отороченной мехом шубкой («Шубка», ок. 1630−40, Музей истории искусств, Вена).

Пейзажи позднего Рубенса воспроизводят эпический образ природы Фландрии с ее просторами, далями, дорогами и населяющими ее людьми («Радуга», 1632−35, Эрмитаж; «Возвращение с поля», 1636−38, галерея Питти, Флоренция). Художник изображает полные жизнерадостной стихии народные праздники («Крестьянский танец», 1636−40, Прадо; «Кермесса», ок. 1635, Лувр).

Творчество Рубенса -- основополагающее в развитии национального искусства Фландрии -- не раз становилось знаменем в борьбе с безжизненными академическими канонами.

1.4 Антонис Ван Дейк

ВАН ДЕЙК (Van Dyck, Dijk) Антонис, (22 марта 1599, Антверпен -- 9 декабря 1641, Лондон), фламандский художник, один из создателей парадного аристократического портрета 17 в.

Отличаясь рано проявившейся одаренностью, завидной работоспособностью и вызывавшей восхищение современников «легкостью» руки, Ван Дейк создал множество картин на религиозные и мифологические сюжеты, пользовавшихся повышенным спросом у церковных и светских заказчиков. Однако подлинным его призванием стало искусство портрета. Сын антверпенского купца, человек по своей натуре мятущийся, сумасбродный и честолюбивый, Ван Дейк тяготел к роскоши, к королевским дворам, к жизни аристократов. Персонажи его парадных портретов отличаются внутренним благородством и аристократической утонченностью и вместе с тем живой характерностью.

Итальянский период

В 1621−27 Ван Дейк посетил Италию. Пребывание его в Генуе, Риме, Венеции, Милане, Палермо сопровождалось активным изучением итальянской живописи, особенно Тициана, и стало триумфальным этапом в развитии его портретного искусства. Внешняя представительность сочетается с внутренней одухотворенностью в портрете ученого и дипломата кардинала Гвидо Бентивольо (ок. 1623−24).

Поселившись с 1624 в Генуе, художник становится популярным портретистом крупнейших аристократических семейств города. Он создает блестящие обстановочные портреты-картины, в которых надменные старцы, благородные кавалеры, стройные женщины в тяжелых, богатых платьях с длинными шлейфами представлены во весь рост на фоне пурпурных драпировок и массивных колонн роскошных генуэзских дворцов («Маркиза Улена Гримальди», «Паола Адорно, маркиза Бриньоле Сале», «Паола Адорно с сыном», «Конный портрет Антонио Джулио Бриньоле Сале», «Маркиза Бальбиани», «Семейство Ломеллини», «Старый сенатор», «Супруга старого сенатора).

Разнообразие характеристик присуще и офортам, составившим изданную в 1627 «Иконографию» -- сборник офортов-портретов известных современников (из 100 изображений мастером собственноручно сделано 16, для остальных он давал предварительные эскизы).

2. Русское барокко

В русской архитектуре стиль существует первоначально в виде так называемого «нарышкинского барокко», где западноевропейские орнаментальные приемы накладываются на средневековую структуру. Начиная с эпохи петровских реформ, все чаще строятся церковные и светские здания чисто новоевропейского типа, высшим образцом которых являются празднично-мажорные творения В. Растрелли.

2.1 Варфоломей Варфоломеевич Растрелли

Растрелли Варфоломей Варфоломеевич (1700−71), русский архитектор. Представитель барокко. Сын Б. К. Растрелли. Грандиозный пространственный размах, четкость объемов, строгую организованность планов сочетал с пластичностью масс, богатством скульптурного убранства и цвета, прихотливой орнаментикой: Смольный монастырь (1748−54) и Зимний дворец (1754−62) в Санкт-Петербурге, Большой дворец в Петергофе (1747−52), Екатерининский дворец в Царском Селе (1752−57).

Создатель «елизаветинского барокко», возникшего в результате переосмысления европейского барокко под влиянием традиций русской художественной культуры. Это яркое архитектурное направление занимает важное место в истории европейского барокко в целом.

Ранний период творчества (1730−1740)

По заказу Анны Иоанновны выполнил ряд построек: небольшой деревянный дворец Зимний Анненгоф (1730) в Московском Кремле и летний Анненгоф в Лефортове (оба не сохранились). После переезда императрицы в Санкт-Петербург в 1732 начинает работу над новым Зимним дворцом (третьим по счету) на месте нынешнего. Для этого перестраивает и объединяет в одно целое дома Апраксина и Кикина. Для Бирона строит два дворца -- в Митаве и Рундале. В Рундальском дворце проявляется и его незаурядный талант декоратора.

Строительство Большого дворца в Петергофе

В 1741, после восхождения на престол Елизаветы Петровны, начинается пора блистательного расцвета таланта Растрелли. Он получает самые крупные официальные заказы. В великолепных творениях этого времени выражается лицо Российской империи, воплощаются идеи славы, могущества и богатства России. В 1741−42 на месте нынешнего Инженерного замка Растрелли строит новый летний деревянный дворец, заказанный еще при Анне Леопольдовне и завершенный при Елизавете Петровне. Этот Летний дворец стал любимым местопребыванием императрицы Елизаветы. В композиционном решении дворца и в оформлении его интерьеров уже складывается зрелый почерк мастера.

Строительство императорских дворцов продолжается: в 1746−55 строится Большой Петергофский, в 1752—1756 -- Царскосельский. Растрелли превращает петровские Верхние палаты в монументальное парадное сооружение. Фасад Большого Петергофского дворца имеет значительную протяженность, в его композиции четко выражены отдельные, связанные между собой объемы, акцентирована центральная часть из трех ризалитов. Отделка фасадов сдержанна, хотя включает разнообразные барочные декоративные элементы -- русты, картуши над оконными проемами, барельефы во фронтонах, узорные балконные решетки. Особую пышность придают замыкающие композицию два павильона, церковный и «Под гербом», с их украшенными золоченым рельефным декором куполами и золочеными главками. Ряд интерьеров (Парадная лестница, Танцевальный зал, Аудиенц-зал, церковь) еще до 1941 сохранял пышную барочную отделку, осуществленную по проектам Растрелли. Во время войны дворец был разрушен. С 1951 ведется его реставрация. В настоящее время восстановлена большая часть его интерьеров.

Большой, или Екатерининский, дворец в Царском селе

Царскосельский дворец является одним из самых знаменитых сооружений зодчего. В основе его центральной части -- каменные палаты Екатерины I. Он также характеризуется протяженностью фасада. Сложный ритм членений и огромное богатство элементов декоративного оформления контрастируют с организующим фасады в одно целое принципом симметрии. Парадный двор эффектно замыкается двумя колоссальными дугами одноэтажных служебных корпусов -- циркумференций. Их соединяет чугунная ограда с воротами, увенчанными гербом Российской империи. Архитектор виртуозно применяет любимые художественные средства: пространственный размах композиции, пластика, рельефность архитектурных форм, выразительный ритм колоннад, активное включение скульптуры в декор. В полной мере используется и характерное для Растрелли цветовое решение: контраст белых колонн, лазурно-голубого поля стен и золото архитектурного декора. В оформлении интерьеров дворца мастер широко применяет роспись, золоченую резьбу и зеркала, отчего залы сверкают роскошью и великолепием. Монументальной росписи плафонов вторят паркетные полы, украшенные декоративными мотивами, набранными из редких пород дерева. Наибольшую известность получили такие шедевры оформительского гения архитектора, как Тронный зал, Картинный зал, Янтарная комната. Реставрация разрушенного во время Великой Отечественной войны дворца началась в 1957 и еще не окончена, но основные интерьеры уже восстановлены.

Зимний дворец

В 1754—1762 Растрелли строит главную резиденцию русских императоров -- Зимний дворец -- самый известный памятник зрелого барокко в России. В плане грандиозный комплекс представляет собой замкнутое каре с внутренним двором. Фасады оформлены непрерывным ритмическим членением стен выступами и отступами, колоннами с эффектными капителями. Особо акцентированы углы здания, обработанные колоннами, собранными в пучки. Все это создает впечатление чрезвычайно богатой пластической разработки стены, которая воспринимается как многослойная, пульсирующая в вечном движении структура. Торжественность, великолепие, парадное назначение здания подчеркнуты архитектором с помощью всего орнаментально-декоративного богатства барокко. Растрелли использует весь диапазон архитектурного декора, составляющего специфику его стиля: колонны, полуколонны, пилястры, кариатиды, атланты, надоконные сандрики и картуши, разнообразные наличники, мощно раскрепованные фронтоны и антаблементы. Особенно красивы протяженные фасады дворца -- один, тянущийся вдоль стальной глади Невы, и другой, раскрывающийся на Дворцовую площадь. Планировка внутренних помещений и здесь следует принципу бесконечной парадной анфилады, характерному для стиля барокко и применяемому Растрелли во всех его сооружениях. Интерьеры Зимнего перестраивались многократно и особенно после разрушительного пожара в 1837. О внутренних работах Растрелли можно составить представление по блистательной Иорданской лестнице и убранству дворцовой церкви.

Аничков дворец и другие

Одновременно с императорскими дворцами Растрелли строил дворцы и для елизаветинской знати. Это здания, имевшие в плане форму букв Н или П, с курдонером, обычно не выходящим на красную линию улицы. Первым был Аничков дворец (1744−51). Впоследствии он многократно перестраивался и снаружи и внутри. Гораздо лучше сохранили почерк великого зодчего Воронцовский (1749−57) и Строгановский (1752−54) дворцы -- примеры городской усадьбы елизаветинского времени. Оформление фасадов и применение архитектурного декора напоминают императорские резиденции, но они решены в ином масштабе, и, несмотря на парадность, сохраняют сдержанность и строгость, отличающие их от елизаветинских дворцов. Эффектно смотрится центральный ризалит Воронцовского дворца, выделенный полуэтажом и украшенный сдвоенными приставными колоннами и пилястрами, на которых опирается раскрепованный антаблемент. Ризалит увенчан треугольным фронтоном. Выдержанность стиля характерна и для Строгановского дворца. Фасадами он выходит на красную линию Невского проспекта и набережной Мойки. Парные приставные колонны также выделяют центральный ризалит фасада по Невскому. На них водружен разорванный лучковый фронтон с гербом Строгановых.

Заключение

барокко бернини веласкес рубенс растрелли

Литература, театр, музыка

Для литературы барокко особенно характерны жанры риторической церковной проповеди ишкольной драмы, где важное место занимают аллегорические фигуры-персонификации; самобытно развиваются также различные виды сатиры, роман, большие и малые формы метафорически насыщенной поэзии. Принципы барокко преломились в творчестве П. Кальдерона, Т. Тассо, Агриппы д’Обинье, а также М. В. Ломоносова и Симеона Полоцкого.

В музыкальном театре происходит интенсивное развитие оперы и балета (оснащаемых все более сложными живописными, технически хитроумными декорациями), а собственно в музыке -- расцвет более сложной и свободной вокально-инструментальной полифонии и тенденции к обособлению различных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке). Выдающимися представителями музыкального барокко были Дж. Габриели, Дж. Фрескобальди, А. Чести, Д. Букстехуде и Р. Кайзер.

Поздний этап

В первой половине 18 века -- отчасти как поздняя фаза барокко, отчасти (во Франции) как самостоятельный феномен -- складывается стиль рококо. Классицизм в его просветительской стадии все чаще подвергает барокко критике за «вычурность» и «безвкусие» (сам термин изначально нес негативный оттенок). Сходя на нет, барокко эпизодически возрождается в историко-романтических стилизациях (таких, как необарокко в зодчестве 19 века).

ПоказатьСвернуть
Заполнить форму текущей работой