Декоративное пано для настенной росписи

Тип работы:
Курсовая
Предмет:
Культура и искусство


Узнать стоимость

Детальная информация о работе

Выдержка из работы

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ

Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение

высшего профессионального образования

«КУБАНСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ»

(ФГБОУ ВПО «КубГУ»)

Кафедра живописи и композиции

ВЫПУСКНАЯ КВАЛИФИКАЦИОННАЯ (ДИПЛОМНАЯ) РАБОТА

Декоративное пано для настенной росписи

Работу выполнилf

Орехова О.А.

Краснодар 2013

Содержание

Введение

1. История развития пейзажной живописи

2. Общее положение акварели в искусстве

2.1 История акварельной техники

3. Что такое декоративная фреска

3.1 Разновидности фрески

3.2 Современная фреска

3.3 Различия классических и современных фресок

4. Начало разработки темы

4.1 Композиция

4.2 Основные законы композиции

4.3 Поиски композиционного решения

5. Реализация образного представления по теме

6. Составление композиционных эскизов по теме и разработка окончательного варианта в цвете

7. Выполнение тонального картона дипломного эскиза

8. Выполнение живописной работы в материале

Заключение

Список использованных источников

Введение

Человек всегда был неразлучен с искусством. В горах, пещерах разных стран мира сохранились древние наскальные изображения. Эти выразительные рисунки животных и охотников были сделаны ещё тогда, когда люди не умели писать. Памятники искусства говорят нам, какое огромное значение во все времена оно имело в жизни человека и человеческого общества.

Искусство — один из способов познания, как в естественнонаучной, так и в религиозной картине восприятия мира.

Это образное осмысление действительности; процесс или итог выражения внутреннего или внешнего мира творца в художественном образе; творчество, направленное таким образом, что оно отражает интересующие не только самого автора, но и других людей.

Неиссякаемость искусства объясняется способностью в пределах традиционных возможностей — композиционных, тематических, технических — отразить миропонимание, соответствующее опыту нового времени, дать новую оценку явлению действительности. Сила воздействия природы на человека, глубокие переживания и мысли, которые она вызывает, породили жанр в изобразительном искусстве, который был назван пейзажем.

Пейзаж представляет собой одну из самых эмоциональных областей изобразительного искусства.

Это стремление к передаче красоты гармонии мира, восхищение перед совершенными творениями природы. Пейзаж способен духовно обогатить человека, сделать его внутренне гармоничным. И до тех пор, пока люди будут любить жизнь, природу, свет, воздух, краски, до тех пор художники будут стремиться к правдивому изображению пейзажа.

Стремление к познанию окружающего мира, эстетическое художественное освоение действительности на каждом историческом этапе развития искусства открывало все новые и новые свойства природы. Преломляя в творческом сознании увиденное, художники вкладывали в изображение волновавшие их идеи; общественные устремления и мировоззрение отражались в произведениях, подсказанных образами родной земли.

В наше время пейзаж весьма популярен. Даже не искушенный в вопросах искусства человек не безразличен к нему. Изображения природы неизбежно вызывает воспоминания о чем-то близком.

Сейчас невозможно представить себе, что нашу жизнь не сопровождало бы искусство, творчество.

Мода на оформление стен фреской

Сейчас становится очень модным направление фресок. Конечно, каждый хочет привнести в свой интерьер элемент изысканности и индивидуальности. Это направление позволяет воплощать любые пожелания на бесшовном материале. Фрески могут быть с трещинами золотыми или серебряными под старину, с муаром, с эффектом старения и протертостями. Так же для фресок может использоваться совершенно любое изображение, или поменяться уже существующее.

Фрески могут быть современными или классическими, могут быть с ярким графическим орнаментом или с изображением старинной картины.

Фреску в интерьере можно обыграть несколькими способами, если она рассчитана не на всю стену.

Например, в классическом интерьере, это может быть обрамление из гипсовых или деревянных молдингов. А в современном — решение пространства вокруг фрески становится сложнее. Так как фреска имеет толщину, то единственным способом декорировать ее является нанесение вокруг декоративной штукатурки.

Декоративная штукатурка тоже имеет достаточную толщину для того, что бы скрыть стыковочный шов. Если изображение на фреске выдержанно с имитацией старины, то декоративная штукатурка может подходить к ней неровными краями, что усилит эффект старения. Такое решение будет напоминать старинные фрески, которые недавно отреставрировали.

Можно подойти в фреске ровным краем, и тогда получится бесшовное соединение. фрески и декоративной штукатурки, что подчеркнет единообразие пространства.

Свойства декоративной штукатурки позволяют подобрать любой цвет или оттенок, что бы гармонировать с фреской или другим изображением. Также можно имитировать эффект старины декоративного покрытия такие как: неровности и шероховатости, микротрещинки или сколы. Декоративная штукатурка может иметь несколько слоев нанесения лисировочных слоев, что подчеркивает эффект старого камня.

Декоративная штукатурка также отлично сочетается и с современной темой фрески. Ведь вариантов нанесения декоративной штукатурки и методов декорирования декоративного покрытия существует очень много.

И каждый раз, когда проявляется фантазия заказчика, возникаю все новые и новые варианты покрытий. В сочетании различных фактур и способов нанесения с разными вариантами муаров, лисировок или финишных покрытий, с изменением цветовой гаммы и добавлением разнообразных материалов, может возникнуть декоративное покрытие не похожее на все другие и удивляющее своей изысканностью и индивидуальностью.

1. История развития пейзажной живописи

В пейзаже, как и во всяком произведении искусства, отражались идеалы и представления людей. Образ природы был для разных художников вместилищем различного содержания. Оно определялось эпохой, породившей то или иное художественное направление. Своеобразный характер творчества обуславливался личными особенностями, внутренними склонностями каждого отдельного живописца; время и художественные традиции определяли типические для искусства в целом черты.

Однако интерес к миру, окружающему человека, совсем не сразу заставил художников обратиться к изображению природы. Она сравнительно поздно стало самостоятельным объектом художественного творчества. Постепенно совершенствуясь и углубляясь, образ мира занял в искусстве подобающее место, пейзаж стал «зеркалом», поставленным перед природой [9, с 5].

Как самостоятельный жанр пейзаж формируется в эпоху Возрождения (Ренессанс). Постепенного из разнообразного и увлекательного место действия заднего плана он превращается в главного героя картины [9, с 8].

Открытие научной перспективы дало в руки художников то орудие, при помощи которого они могли теперь создавать на полотне живое подобие действительности, столь же стройное и гармоническое, как в жизни. Изобретение нидерландскими художниками новой техники — масляной живописи, так же сыграло существенную роль в сложении реалистического искусства пейзажа. В образе природы художники начали различать так же оттенки, и с этой поры пейзаж занял в картине место одного из равноправных действующих лиц произведения.

В искусстве идеи нового миропонимания нашли выражение в реалистическом изображении действительности. В самом начале итальянского треченто, периода, непосредственно предшествовавшего раннему Возрождению, появилась фигура великого художника Джоттоди Бондоне. Его по праву считают предтечей европейского реализма. Изображения природы у Джотто еще очень условны. Он не писал отдельно пейзажей.

Итальянское треченто дало истории живописи один из первых примеров европейского пейзажа — во фреске художников Пьетро и Амброджо Лоренцетти «Аллегория доброго направления».

Долгое время художников Италии пейзаж привлекал лишь как средство дополнительного описания к изображению человека в сюжетных композициях [8, с 22].

Начиная с раннего Возрождения, художников занимают вопросы линейной и воздушной перспективы. Пейзаж перестает быть фоном и становится средой действия изображаемых героев. И тем не менее для художника Возрождение пейзаж-пространство все еще остается лишь своеобразной сценической площадкой или изобразительным сопровождением более важных задач картины.

Леон-Батиста Альберти в своем трактате «Три книги о живописи» впервые изложил законы линейной перспективы, которая вызвала интерес в среде художников.

Леонардо да Винчи — один из первых теоретиков искусства, обративших внимание на окраску солнечными лучами окружающей среды. В его трактатах содержаться новаторские для того времени указания на свойства дополнительных цветов, закон тоновых и цветовых отношений, являющийся основой основ живописного мастерства.

Мощным стимулом развития пейзажа послужило всеобщее увлечение европейцев XVI века феноменом пространства. В XVI веке окончательно складывается «мировой» пейзаж, сочетающий в себе мастерство последовательно скомпонованных тысячекилометровых расстояний, доступных только мысленному представлению. Мастер панорамного пейзажа удивительный художник Питер Брейгель Старший [1, с 32].

Огромен вклад в освоение колористического богатства свето-воздушной среды французских живописцев, положивших начало к пристальному вниманию к этому направлению[1, с. 108].

Русская пейзажная живопись продолжала успешно развиваться. А Иванов впервые в европейском искусстве передал прозрачность воздушной среды, пронизанной светом, глубину пространства. В правдивости изображения, он шагнул значительно дальше С. Щедрина. И только художники второй половины XIX века стали разрабатывать и развивать методы впервые использованные им.

2. Общее положение акварели в искусстве

Акварель. Уже не одно поколение художников, осваивая выразительные возможности этой технике, ведет борьбу с ее строптивостью и своенравностью. Трудная и сложная в освоении акварель не каждому открывает тайны постижения материала. Тем более обширен и велик круг ее почитателей. Что же привлекает мастеров современного искусства в этой древнейшей живописной технике? Одних покоряет широкий диапазон ее возможностей, позволяющий решать в акварели самые сложные идейно — образные задачи. Другие восхищаются подвижностью материала, его мобильностью, возможностью импровизации, неповторимостью, активным воздействием самой техники на мысли и чувства автора. Для многих большое значение имеет необходимость высокого профессионализма, внутренней творческой собранности при воплощении замысла. Для части акварелистов главное — возможность писать в один прием — «а ля прима», на одном дыхании; для других важнее продолжительная работа. Влечет художников и звучность, акварельного цвета на белой поверхности бумаги, его градации от тонких прозрачных и легких оттенков до напряженной и корпусной живописной «кладки», дающей колористическое наполнение формы как бы изнутри.

Разнообразны и широки возможности акварели. Введенная в обширный круг видов и жанров современного советского искусства, она в 70 — е годы по праву заняла видное место в творческой жизни многонационального коллектива художников страны. Восприняв из прошлого все лучшее, советские художники продолжили и обогатили собственным творческим опытом искусство акварели. [2, с. 156].

Важную роль в развитии акварели сыграла последовательная организация Союзом художников творческих групп акварелистов с широкой программой поездок по стране. География командировок тридцати созданных творческих групп охватило с севера до юга и с запада на восток. Они обогатили материал выставок живыми впечатлениями художников, познакомившихся с созидательной деятельностью нашего народа. Определяющим в развитии этого вида искусства стало и постоянное заключение с художниками договоров на исполнение новых произведений, а также закупка лучших работ с выставок. Лучшие работы акварелистов закупаются Союзом художников, в результате образовалось коллекция современной акварели, равной которой нет ни в одном музее. Этот собранный богатый творческий материал стал основой для дальнейшей пропаганды искусства акварели в нашей стране и за рубежом. Следует отметить и еще один немаловажный фактор — производство высококачественной отечественной акварели Ленинградским заводом художественных красок. Его акварель по праву завоевала авторитетное признание не только в нашей стране, но и далеко за ее приделами. Выставки, их обсуждения, подведение итогов работы творческих групп, статьи в периодической и специальной печати, издание альбомов на Украине, Белоруссии, Литве, Эстонии, Киргизии дали возможность расширить наши представления об акварельной живописи, теоретически осмыслить новый этап развития как искусства общественно — значимого, активно связанного с жизнью, отвечающего ее проблемам. [2, с 158].

Художники — акварелисты оказались не чужды и поиском мастеров, работающих в других станковых формах, которыми отмечено последнее десятилетие: от живописно — эмоционально до рационалистического либо ассоциативно — метафорического характера образного мышления. Однако какие бы художественные средства ни избирали современные акварелисты, их авторская позиция остается на высоте традиционных гражданственных и эстетических основ социалистического искусства. Об этом свидетельствуют работы, показанные на всех шести всесоюзных выставках акварели. Пафос творчеств акварелистов, прежде всего, направлен на стремление к пристальному изучению жизни, с тем чтобы в художественных образах раскрыть и передать свое мироощущение, свое отношение к действительности. Акварели стали подвластны не только пейзаж, натюрморт и портрет, но и композиционная картина.

В последние годы акварельная живопись получила распространение во всех республиках краях и областях; повсеместно возрос уровень профессиональной культуры мастеров акварели, на ней сказалось благотворное влияние взаимообогащения национальных культур. Шестую Всесоюзную выставку акварели называли «окном, открытым в жизнь». В этом образном выражении отразилась оценка живой связи искусства акварелистов.

Выдающийся художник — акварелист Н. Н. Волков в своих трудах об акварели говорил так: «Игра света и тени, пространственность живых пятен и форм, цветовая среда, или, лучше, созданная цветом среда, останутся вечным источником наслаждения краской, одной, но, конечно, только одной из истин искусства». [6, с 4]

2.1 История акварельной техники

Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во IIвеке нашей эры. В XII—XIII вв.еках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании в Италии. Предшественницей в акварельной техники в Европе была роспись по сырой штукатурке (фреска), позволяющая получать сходные эффекты. [6, с 38]

В Европе первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антони сван Дейк, Клод Лорреи и Джованни Кастиьоне. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII — XVX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающего серьезного внимания [6, с 132].

Популярность акварели возрасла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII века моде на портретную миниатюру, — жанр, которые с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.

2. Что такое декоративная фреска

Фреска — (от итал. fresco — свежий), живопись по сырой штукатурке красками, разведенными на воде. Одна из техник стенных росписей. (Большой энциклопедический словарь)

Фреска (от итал. fresco -- свежий) -- живопись по сырой штукатурке, одна из техник стенных росписей, противоположность, а секко (росписи по сухому). При высыхании штукатурка образует пленку, делающую фреску долговечной. (Википедия) [17]

Самое полное определение дает Большая Советская Энциклопедия:

Фреска (от итал. fresco, буквально -- свежий), техника живописи красками (на чистой или известковой воде) по свежей, сырой штукатурке, которая при высыхании образует тончайшую прозрачную плёнку кристаллического карбоната кальция, закрепляющую краски и делающую Фреска долговечной; Фреска называют также произведение, выполненное в этой технике. [18] Фреска, позволяющая создавать монументальные композиции, органически связанные с архитектурой, является основной техникой стенных росписей. Штукатурка (грунт) составляется обычно из 1 части гашёной извести, 2 частей минеральных наполнителей (кварцевый песок, порошок известняка или дроблёный кирпич), иногда -- с органическими добавками (солома, пенька, лён и т. д.), предохраняющих грунт от растрескивания. Для Фреска годны краски, которые не вступают в соединения с известью. Палитра Фреска довольно сдержанна; применяются главным образом земляные натуральные пигменты (охры, умбры), а также марсы, синий и зелёный кобальт и т. д., реже краски медного происхождения (голубец и др.), а также киноварь. Все синие и чёрные краски (реже -- другие) наносятся на уже сухую штукатурку с помощью клея. Фреска позволяет пользоваться тонами во всю их силу, но при письме приходится учитывать, что краски, высыхая, сильно бледнеют. Важную роль во Фреска играют лессировки, однако при большом количестве красочных слоев цвет ослабевает и тускнеет. Кроме собственно Фреска, с глубокой древности известна роспись по сухой штукатурке (а секко) [17].

Фреска была распространена уже в Эгейском искусстве (2-е тыс. до н. э.); большого подъёма достигла она в античной художественной культуре, где использовались многослойные шлифованные грунты с добавлением мраморной пыли. С первых веков н. э. росписи, близкие по технике к Фреска, начали создаваться у народов Востока (в Индии, Средней Азии и др.). Античные мастера заканчивали Фреска по сухому с помощью темперы. Этот приём был характерен и для средневековой Фреска, получившей развитие в искусстве Византии, Древней Руси (10--12 вв. и 14--17 вв., когда работали Феофан Грек, Андрей Рублёв, Дионисий), Грузии, Сербии, Болгарии, Италии, Франции, Германии и др. стран. Большого подъёма искусство Фреска достигло в творчестве мастеров эпохи Возрождения в Италии (Джотто, Мазаччо, Пьеро делла Франческа, Рафаэль, Микеланджело и др. в 14--16 вв.). С 16 в. в Италии распространилась «чистая» Фреска (буон Фреска) без применения темперы. Для Фреска этого и последующего времени характерны 2-слойные грунты, верхний из которых наносился на тот участок, который живописец предполагал закончить за 1--2 дня. Традиции Фреска жили в декоративных росписях 17--18 вв. В 19 в. к Фреска обращались назарейцы в Германии, а также отдельные представители «модерна» (Фреска Ходлер в Швейцарии и др.). Многие прогрессивные мастера 20 в. работают в технике Фреска (А. Боргонцони в Италии, Д. Ривера в Мексике и др.). Палитра современных Фреска пополнена многими новыми, синтетическими красителями. (Большая Советская Энциклопедия)

В СССР в популяризацию техники Фреска значительный вклад внесли В. А. Фаворский, Л. А. Бруни, Н. М. Чернышев и др.

В настоящее время термином «фреска» могут называть любую стенную живопись, вне зависимости от её техники (а секко, темпера, живопись масляными, акриловыми красками и т. д.). [18]

3.1 Разновидности фрески

Фреска в интерьере известна с незапамятных времен. Еще в Древней Греции и Риме удивительной красоты фрески украшали стены соборов, общественных мест, домов горожан. Это предмет гордости монументальной живописи, это «визитная карточка» эпохи Возрождения и Ренессанса, которая на протяжении многих столетий была позабыта.

Сегодня Вы можете выбрать любое понравившееся Вам изображение рисунка, картины или фотографии и принести нашим мастерам. Наши опытные дизайнеры обработают полученное изображение, сделают его произведением искусства — художественной фреской в современном интерьере. Для создания современной фрески на стену (рельефной, искусственно-состаренной и прочих) используются только качественные современные материалы, экологически чистые и безопасные для здоровья человека. Декоративные фрески в интерьере обладают рядом преимуществ: долговечны, неприхотливы в уходе, не тускнеют и не портятся от прямых солнечных лучей, влажности, перепадов температуры в помещении. Художественная фреска в современном интерьере может стать частью стены, слиться с ней воедино, визуально изменить пространство помещения, как в прочем и художественная инсталляция.

Настенные фрески в интерьере

Древняя техника живописи по сырой штукатурке сегодня претерпела изменения и приобрела промышленные масштабы. Современные фрески с такой же точностью, как и ручная роспись, имитируют и передают фактуру старинной работы. Но теперь, чтобы украсить свою квартиру фреской, достаточно пойти в магазин или дизайнерский салон, выбрать изображение и уже через несколько дней любоваться произведением искусства у себя на стене. Но не все так просто, как кажется на первый взгляд. Разные производители предлагают множество разновидностей современных фресок. Поэтому, прежде чем отдать предпочтение тому или иному изображению, необходимо определиться с видом современной фрески, материалом и ценой.

Фрески на холсте

В этом виде фресок при их изготовлении используются только природные материалы — известь, речной песок, натуральные пигменты, клеи на растительной или животной основе, хлопковые холсты. Технологический процесс изготовления таких фресок — это полностью ручная работа. Сначала особым способом готовиться штукатурная основа. Затем на основу наносится изображение, которое впоследствии подвергается старению. И, наконец, заключительный этап — фреска переносится на холст. В России таким способом современные фрески не производятся, в основном так они изготавливаются в Италии или Испании. Цена за фрески на холсте колеблется от 28 000 рублей и выше, все зависит от размера. По желанию можно заказать фреску с эксклюзивным изображением, но ждать ее придется довольно долго — около месяца.

Фрески на хосте продаются на подрамнике или в рулоне. Приклеивать фреску к стене можно обычным клеем для тяжелых обоев. Правда, перед нанесением штукатурки и выравниванием фрески со стеной нужно аккуратно отрезать лишний холст по краям фрески.

Однако при всей своей привлекательности такие фрески не лишены и некоторых недостатков — их нельзя мыть моющими средствами, фреска может поцарапаться и ее необходимо покрывать воском.

Фрески на самоклеющейся основе

Такие фрески созданы с помощью специальной пасты из мельчайшего песка, которая наносится на особо прочную нетканую самоклеющуюся основу. В данном случае изображение наноситься цифровым способом, а монтировать такие фрески одно удовольствие — нужно просто снять защитный слой и наклеить фреску на стену. При этом ее можно сочетать и с любыми материалами — обоями, краской и т. д.

Фресками на самоклеющейся основе можно декорировать стены, потолки и любые другие поверхности. Единственный минус — слой штукатурки очень тонкий, поэтому большие неровности стен такая фреска скрыть не сможет. Перед наклеиванием фрески на стену предварительно поверхность лучше выровнять. Также за счет тонкого слоя штукатурки теряется эффект старинной работы и фреска напоминает текстурированные обои.

Изображение можно выбрать из каталога. Правда, выбор изображений не очень большой. Также можно изготовить фреску на заказ. Производятся такие фрески, как и предыдущие, в Италии или Испании. А вот стоимость их значительно ниже — 9 000−12 000 рублей за квадратный метр.

Фрески на флизелине

В данном случае слой штукатурки наносится на флизелиновую основу особым способом по итальянской технологии. Фрески на флизелиновой основе различаются по способу нанесения изображения. У одних производителей этот этап сводиться к печати на специальном принтере, у других — проходит несколько технологических стадий. Как правило, в заключении и в том, и в другом случае, художник наносит специальный раствор для состаривания фрески и образования трещинок — кракелюра на ее поверхности. По желанию можно усилить трещинки или вообще от них отказаться.

Фрески на флизелиновой основе приклеиваются к стене с помощью обычного клея для флизелиновых обоев. Такими фресками удобно декорировать большие поверхности, так как материал легко стыкуется и сами стыки практически незаметны.

Фрески на жесткой основе

У таких фресок слой штукатурки наносится на специальную легкую, но в то же время жесткую основу. Края фрески на жесткой основе имеют художественные сколы, которые подчеркивают старину работы.

Такие фрески можно монтировать на стену как с помощью монтажного клея, так и с помощью обычных держателей, аналогично картинам. Однако размер такой фрески ограничен и не может быть больше 3×1,4 метра. Стоимость 1 квадратного метра фрески на жесткой основе — 10 800 рублей.

Фрески на штукатурке

Несмотря на богатство выбора, сегодня большинство отдают предпочтение фрескам на эластичной штукатурке, например, таким как фрески Орто. В основе фрески — итальянская штукатурка, которой по особой технологии придается эластичность. Чтобы предотвратить растрескивание штукатурки при изгибе, основа дополнительно укреплена монтажной сеткой. Изображение наноситься на штукатурку с помощью современной технологии печати экологически безвредными красками.

Благодаря более толстому слою штукатурки по сравнению с другими фресками, фрески Орто наиболее точно передают настоящую старинную работу. За счет большого слоя штукатурки хорошо просматривается фактура и передается рельеф.

К стене фрески на эластичной штукатурке приклеиваются на любой монтажный клей. Пространство же вокруг фрески декорируется штукатуркой и создается впечатление, что она нарисована прямо на стене. Эти фрески не боятся влаги и солнечных лучей. Ими даже можно оформлять фасады зданий.

Стоят такие фрески на эластичной штукатурке от 6 000 рублей за фреску. При этом производятся они всего за несколько дней.

В интерьере каждая из фресок хороша по-своему. Все зависит от предпочтений самого потребителя. И на какой бы фреске не остановился выбор, в интерьере этот вид декора позволяет кардинально изменить любое помещение — будь-то спальня, кухня, гостиная, холл, ванная комната или кафе, ресторан, магазин. Фрески позволяют создать свой неповторимый стиль и привнести в дизайн стилистику древних эпох.

Благодаря более толстому слою штукатурки по сравнению с другими фресками, фрески Орто наиболее точно передают настоящую старинную работу. За счет большого слоя штукатурки хорошо просматривается фактура и передается рельеф.

К стене фрески на эластичной штукатурке приклеиваются на любой монтажный клей. Пространство же вокруг фрески декорируется штукатуркой и создается впечатление, что она нарисована прямо на стене. Эти фрески не боятся влаги и солнечных лучей. Ими даже можно оформлять фасады зданий.

В интерьере каждая из фресок хороша по-своему. Все зависит от предпочтений самого потребителя. И на какой бы фреске не остановился выбор, в интерьере этот вид декора позволяет кардинально изменить любое помещение — будь-то спальня, кухня, гостиная, холл, ванная комната или кафе, ресторан, магазин. Фрески позволяют создать свой неповторимый стиль и привнести в дизайн стилистику древних эпох.

3.2 Современная фреска

Фресковая живопись исторически представляет собой живопись по сырой штукатурке. В настоящее время под термином «фреска» часто понимают любую декоративную стенную живопись, независимо от метода ее выполнения.

По технике исполнения фрески, которыми декорируют стены в настоящее время, можно условно разделить на две группы: западноевропейскую и современную фрески. Примем это условное разделение на вооружение. В данном разделе мы расскажем о том, как выполнить современную настенную фреску различными способами.

Выбор красочных материалов

В настоящее время для создания настенной живописи на вооружении у художника есть универсальные акриловые краски, которые позволяют выполнять стойкие к ультрафиолету, химическим и физическим воздействиям монументальные работы [16].

Акриловые краски появились в начале ХХ века и сегодня являются самым популярным видом красок.

К ряду преимуществ над другими видами красок можно отнести следующие:

* краски обладают высокой эластичностью пленки;

* быстро высыхают;

* устойчивы к воздействию ультрафиолета, химическим и физическим воздействиям;

* дают большую свободу в выборе техники;

* краски не содержат растворителей;

* могут легко смываться водой (до момента высыхания) и проч.

В отличие от красок на основе извести, которые применялись в классической фреске, акриловые краски меньше меняют цвет при высыхании и ими можно работать на более подвижных основах без риска растрескивания пленки.

Подготовка стен

Перед тем, как приступить к декору стен, поверхность необходимо подготовить. Если в новом доме на бетонных стенах приклеена выравнивающая строительная сетка, то можно смело надеяться, что в дальнейшем вы не получите на элементах росписи трещины от просадки дома. Хотя в некоторых случаях наличие подобных трещинок только добавит фресковой живописи дополнительный эффект старины [18].

Фактура стен

До начала работы над фреской стены часто обрабатывают эластичной шпатлевкой для достижения гладкости или создания определенных рельефных эффектов. Для этой цели можно использовать и специальный художественный грунт. Накладывать грунт можно фактурно, слой за слоем по мере высыхания, а можно гладко, разравнивая широким шпателем и губкой. Однако, для создания идеальной гладкости декорируемой поверхности необходим определенной опыт этой работы.

Фактура стен значительным образом повлияет на общее восприятие фрески в финале работы. Возможно, вы захотите получить идеально гладкую живописную картину или создать обрамление для вашей будущей фрески в виде фактурной рамки, а может быть, пожелаете добавить кракеллюров для имитации старинной росписи.

Самым простым средством создания трещинок является применение клея ПВА под сырую шпатлевку. При нагревании (например, при использовании фена) шпатлевка подсыхает и растрескивается, создавая эффект кракле. После этого начинается работа с колерами.

Итак, с фактурой мы определились. Но чтобы поверхность была идеально подготовлена к росписи, нужно зашкурить мелкой шкуркой всю поверхность зашпатлеванной стены, а затем закрепить результат обычным строительным жидким акриловым грунтом. После его высыхания (несколько часов) можно начинать работу с красками.

Работа над фреской

При работе над современной фреской обычно не используют рефть и техники подмалевка, гризайли, как это было в Западноевропейской фреске. В данном случае работа ведется сразу акриловыми красками по намеченным контурам [17].

Для того, чтобы нанести контуры будущего рисунка можно воспользоваться следующей техникой:

* на кальке большого формата рисуется эскиз, можно в цвете;

* обратная сторона кальки равномерно заштриховывается мягким карандашом;

* эскиз прикладывается заштрихованной стороной к стене и, надавливая карандашом, обводятся все контуры рисунка;

* отнимаем кальку от стены — контуры рисунка перенеслись на стену.

После подготовительной работы (выбор фактуры, наведение контуров) приступают к работе с колерами. Колера — разведенные акриловые краски. В качестве разбавителя для акриловых красок используют акриловое связующее или гель. Часто краску разбавляют водой, но при этом снижается прочность красочной пленки.

Работу над современной фреской ведут по-разному в зависимости от выбранного стиля и видения картины в целом. Чаще всего работают по классической схеме «от общего к частному», заполняя сначала крупные части работы, выявляя тональные и светотеневые соотношения. Далее прописываются более мелкие детали и нюансы. После высыхания акриловые краски необратимы.

Заключительный этап

В конце работы готовую живопись можно закрепить лаком-аэрозолем, нанести слой кракелюрного лака или пройтись наждачкой для создания эффекта состаренной поверхности.

3.3 Различия классических и современных фресок

Напомним, что фреска представляет собой технику росписи по сырому грунту пигментами, разведенными водой или готовыми красками. Классическая основа фрески — штукатурка. Процесс создания классической фрески очень непрост, длителен и трудоемок. Дорогие минеральные компоненты, невозможность исправлений, сроки, ограниченные высыханием поверхности, требовали огромных вложений и мастерства художников-оформителей, берущихся за работу. Но игра стоила свеч! Фреска, можно сказать, вечное изображение. Она не растрескивается, устойчива к воздействию солнечных лучей, не боится температурных перепадов и влаги. Дело в том, что при высыхании штукатурка образует тончайшую, прозрачную пленку, которая закрепляет краски и делает фреску долговечной. Кроме того, живопись по извести имеет матовую текстуру, поэтому изображение не дает бликов и может быть охвачено взглядом по всей площади из одной точки помещения. Фрески всегда были популярны. Ими украшали самые величественные и особо важные здания, расписывали знаменитые дворцы и соборы, которыми люди любуются по сей день [19].

Классической основой для фресок сегодня также остается эластичная штукатурка. Это позволяет использовать эту технику не только на прямых поверхностях, но и колоннах, нишах, углах, криволинейных плоскостях. Так как современным фрескам не страшна влага, ими легко можно облагородить «мокрые помещения»: ванные комнаты или бассейны. При этом микропористая поверхность покрытия позволяет стенам «дышать», а значит, конденсат не скапливается и влажность воздуха в помещении остается в пределах нормы. Даже нахождение длительное время под солнечными лучами не вредит им. Обычно производители дают гарантию на 3 года, но не тускнеющие цвета фресок будут радовать на протяжении куда более длительного срока [14].

Конечно, древняя техника живописи по сырой штукатурке сегодня претерпела изменения и приобрела промышленные масштабы. Современные фрески с такой же точностью, как и ручная роспись, имитируют и передают фактуру старинной работы. Но теперь, чтобы украсить ими свою квартиру, достаточно пойти в магазин или дизайнерский салон, выбрать изображение и уже через непродолжительное время любоваться произведением искусства у себя на стене или потолке. Современные фрески изготавливаются на основе экологически чистых материалов и представляют собой полотна, которые легко клеятся практически на любую основу. Они довольно точно имитируют «историческую» стену, поскольку покрыты мелкими трещинками, подчеркивающими старину [19].

Современные фрески не имеют ограничений по размеру, и потому довольно большие площади могут быть оформлены с их помощью. Однако, прежде чем приступать к реализации задуманного плана, следует серьезно подойти к вопросу размещения фрески, как в интерьере, так и в экстерьере. Будет это копия полотна кисти знаменитого художника или современная репродукция, нужно понимать, что она займет главное место, станет акцентом всей дизайнерской композиции. Поэтому лучше поместить фреску над невысокой мебелью, в простенках между окнами, над кроватью в спальне или над камином в гостиной… Главное, чтобы она не нарушала общий стиль интерьера, сочеталась по цветам и тематике [16].

4. Начало разработки темы

4.1 Композиция

Термин «композиция» в переводе с латинского composition обозначает сопоставление, сложение, соединение частей в единое целое в определенном порядке, сочинение, соотношение сторон и поверхностей, которые, вместе взятые, составляют (компонуют) определенную форму.

В природе наиболее характерными и часто встречающимися композиционными закономерностями являются цельность, симметрия и ритм. Цельность проявляется в строении, конструкции предмета, симметрия — в равновесии, похожести левой и правой частей объекта, ритм в повторяемости одного или нескольких элементов через определенные интервалы. Для симметрии характерно относительное спокойствие, равновесие частей, ритму свойственна большая или меньшая степень движения [11, с 5].

Итак, композиция — это, с одной стороны, творческий процесс создания произведения искусства от начала до конца, от появления замысла до его завершения, с другой стороны — своеобразный комплекс средств раскрытия содержания картины, основанный на законах, правилах и приемах, служащих наиболее полному, целостному и выразительному решению замысла. Иными словами, композиция есть сосредоточие идейно-творческого начала, позволяющего автору произведения искусства целенаправленно организовать главное и второстепенное и добиться максимальной выразительности содержания и формы в их образном единстве [11, с 7].

4.2 Основные законы композиции

Основными законами композиции следует назвать такие: закон цельности, закон контрастов, закон новизны, закон подчиненности всех средств композиции идейному замыслу.

Закон целостности. Целостность как явление, объединяющее элементы, части в единое целое, проявляется везде в природе и обществе и выступает как диалектический закон.

Благодаря соблюдению первого закона композиции — закона целостности — произведения искусства воспринимаются как единое и неделимое единое целое.

Главная черта закона целостности — неделимость композиции означает невозможность воспринимать ее как сумму нескольких, хотя бы в малой степени самостоятельных частей. Неделимость закладывается в композиции через нахождение художником, так называемой конструктивной идеи, которая способна объединить в одно целое все компоненты будущего произведения [12, с 122−123].

Закон контрастов — один из основных законов композиции.

Термин «контраст» обозначает резкую разницу, противоположность сторон. Но наряду с такой важнейшей сущностью контрастов, как наличие резко противоположных сторон, т. е. контрасты — это одновременно борьба противоположностей и их диалектическое единство.

Контрасты являются законом композиции, представляющим собой специфическое проявление всеобщего закона диалектики — закона единства и борьбы противоположностей; без контрастов нельзя создать не только произведения искусства, но даже простое изображение, в том числе линейный рисунок. Контрасты — это необходимое условие для того, чтобы зритель увидел изображение, так как без них изображение сольется с фоном по тону и цвету; контрасты создают выразительность произведения искусства и поэтому выступают воздействующей силой композиции; контрасты в композиции выступают как композиционная сила не только с точки зрения «механики» построения, т. е. построения композиции как какой-то структуры, но и с точки зрения творческого процесса создания художественных образов: большая часть творческого процесса создания художником произведения — от появления замысла и первых черновых эскизов композиции до завершения — это все композиционная работа, которая пронизана мыслью об основной идее, об основных образах и облике произведения [12, с 127−130].

Закон новизны. Новизна выступает как всеобщий закон искусства, проявляющий свое действие в том, что художественный образ — это всегда новое в искусстве и по форме, и по содержанию. И поскольку художественный образ всегда решается в новой композиции, как в главной художественной форме произведения искусства, действует как закон и, таким образом, принимает форму закона композиции [12, с 132].

Закон подчиненности всех средств композиции идейному замыслу обязывает художника создавать цельное по восприятию, выразительное, идейно содержательное и высокохудожественное произведение. Этот закон требует, чтобы организация произведения во всех деталях и частях подчинялась не мертвым формалистическим схемам построения композиции, а идейному содержанию.

Этот закон требует учета соотношения объемов, цвета, света, тона и формы, а также передачи ритма и пластики, движения или состояния относительного покоя, симметрии или асимметрии. Он требует определения отношения размеров всех фигур к размеру картины, сюжетного центра к другим частям композиции. Соразмерность частей и элементов должна быть решена как гармоническое сочетание пропорций, чтобы произведение создавало впечатление единого целого. Все эти вопросы должны решаться художником в соответствии с идейным замыслом [12, с 134−135].

Закон жизненности. Он выступает не как всеобщий закон композиции, а как частный, проявляющий свое действие в произведения изобразительного искусства, в которых ставится задача передачи движения во времени.

Закон жизненности требует, чтобы в произведениях искусства, где изображено движение во времени, был передан смысл движения во времени и тем самым чувство жизненности отображаемого [12, с 136].

Закон воздействия «рамы» на композицию изображения на плоскости. Это воздействие «рамы», создание ею антиципации, ощущения пространства, предчувствия его — объективно. Художник, строя композицию в соответствии с тем или иным замыслом и учитывая предощущение глубинности в центральной части картинного поля, может усилить ощущение глубины пространства или вступить в сознательный (или интуитивный) конфликт с углубленностью поля в центральной зоне. [12, с 140−141]

4.3 Поиски композиционного решения

Изначальной идеей являлся фрагмент города Краснодара. Но после длительных поисков и совещаний с дипломным руководителем было принято решение перейти к собирательному образу Краснодара. Конечная идея заключается в том, чтобы показать основные достопримечательности, которые передали бы неповторимый облик города, так же выделить детали и подчеркнуть всё это фоном.

В процессе поисков, был изучен огромный иллюстративный материал. В частности, работы итальянских мастеров эпохи Возрождения Микеланджело, Джотто Мазаччо, Пьеро делла Франческа, Рефаэля.

На этих работах можно увидеть, как мастер решает вопрос изображения.

Начались поиски композиционного решения.

Поиски начались с различных зарисовок фигур в разных положениях, с разных точек зрения и уровня горизонта. Делались наброски, зарисовки по-представлению, по-памяти. По-воображению пытались найти то идеальное положение фигур, которое полностью бы соответствовало идее.

5. Реализация образного представления композиции по теме

Натура была выбрана из множества достопримечательностей. Их внешний вид хорошо подходил под задуманный образ, что, собственно, и было нужно. Соответственно несколько вариаций памятников города были в наличии.

По идее фон вокруг фигур должен быть ненавязчивым, но выразительным, акцентирующим идею и подчеркивающим образ. Было решено делать легкий пейзаж. Огромное небо с ритмичными облаками, подчеркивающими статичность и уравновешенность, и монументальность фигур. Фронтальное изображение объектов, собор в центре композиции, а по краям скульптурные памятники. Фигуры стоят с опорой на кирпичную стену.

6. Составление композиционных эскизов по теме и разработка окончательного варианта в цвете

Мною было выполнено множество натурных зарисовок. Были проведены дополнительные поиски наиболее интересной точки зрения, положение фигур. Необходимо ли перспектива, как разместить все объекты относительно друг друга. Так же, были выполнены зарисовки фигур в нескольких вариациях, достоверно отрисованы элементы.

Фон было решено делать достаточно обобщенным, так как главными должны были оставаться городские символы. Полагаясь на примеры мастеров, на их работы определить пропорции неба и земли.

Ритм (ритмичность) — чередование соизмеримых элементов целого, совершающееся с закономерной последовательностью и частотой; один из главных законов пластических искусств, отражающий в пространственных ритмических рядах присущие природе временные и пространственные закономерности, взаимосвязи движения. Монотонность ритма может преднамеренно нарушаться специальными акцентами или пропусками повторяющихся элементов. Ритм является основой любого вида орнамента. Ритм может проявляться в вариантах жестов, движения и композиционных группировок фигур, предметов, линий, в чередовании световых и цветовых пятен, пространственных планов, через контрасты и др. [5, с 237].

Были найдены горизонтали, вертикали и диагонали. В процессе поисков, когда был утвержден ракурс, положение фигуры, оно оказалось весьма статичным. Исходя из чего, было принято решение при помощи фона задать работе определенный ритм, добавить динамики.

Ракурс — сокращение живых и предметных форм по мере их удаления от глаза по законам линейной перспективы. Ракурс обусловлен точкой зрения на натуру (вид сверху, снизу, на близком расстоянии т.п.), а также самим положением натуры в пространстве. В декоративных росписях ракурс часто используется для наиболее эффективной передачи движения и пространства [5, с 234].

Исходя из закона ракурсного положения фигуры в пространстве был достигнут наиболее выразительный образ.

Колорит (итал. colrito от лат. Color — цвет) — композиция цвета, хроматический строй, согласованность цветов (тонов хроматического ряда) данного художественного произведения. В отличие от эстетической ценности цветовых сочетаний — гаммы, гармонии тонов — колорит выражает художественный смысл цветового решения произведения искусства. В каждом случае это решение уникально и неповторимо, хотя основывается на некоторых простых закономерностях. Качество колорита (художественной целостности цветовых тонов) устанавливается эквивалента цветового строя произведения и имеющихся в распоряжении художника материалов — красок с их физическими и химическими свойствами: яркостью, насыщенностью, светлотой, теплохолодностью, кроющей способностью [5, с 162−163].

Колорит для работы был выбран холодный, с использованием таких красок, как ФЦ голубая, сиена жженая, умбра натуральная ленинградская, охра красная, кармин, хром-кобальт сине-зеленый, кобальт зеленый светлый, охра золотистая, кадмий желтый светлый, белила цинковые.

Цветовые отношения — различия цветов натуры по цветовому тону (оттенку), светлоте и насыщенности. В натуре цвет всегда воспринимается в отношениях с окружающими его цветами, с которыми он находится в строгом взаимодействии и зависимости. Поэтому цветовые отношения этюда должны передаваться пропорционально цветовым отношениям натуры. В этом заключается закон колористического переложения красок видимой натуры на диапазон красок палитры, обусловливается он психофизиологией нашего зрительного восприятия и мышления [3, с 185].

Колористическое единство и цветовая гармония изображения создаются, прежде всего, передачей тонового и цветового состояния освещения. Родственность всех цветовых пятен в живописи достигается тончайшей нюансировкой тонов в пределах сближенной цветовой гаммы при постоянном внимании художника к законам освещения. Именно оно определенным образом изменяет и объединяет предметные (локальные) цвета, которые сами по себе не всегда гармоничны [4, с 136].

Выбранный колорит на работе создает впечатление силы и спокойствия. Состояние природы соответствует психо-эмоциональному состоянию объектов.

7. Выполнение тонального картона дипломного эскиза в натуральную величину

После того как эскиз был окончательно утвержден началось выполнение тонального картона в натуральную величину дипломной работы. Было точное перенесение элементов композиции на большой формат методом разбивки малого формата на квадраты. Размер работы — 140*69 сантиметров, размер эскиза — 75*37 сантиметров. Масштаб 1:2.

Эскиз — однотонный или цветовой рисунок или этюд вспомогательного характера, являющийся подготовительным для более крупной работы и обозначающий ее замысел, с использованием основных композиционных средств[5, с 309].

Этюд — художественное произведение вспомогательного характера, выполненное живописными средствами с натуры для тщательного ее изучения. В этюде художник разрабатывает детали задуманной композиции. Нередко этюд имеет самостоятельное значение. Часто этюд является упражнением, в котором художник совершенствует свои профессиональные навыки и овладевает более глубоким и правдивым изображении натуры [5, с 310].

После переноса рисунка и внесения коррективов и деталей, был выполнен тональный рисунок акриловыми красками. Распределение тоновых отношений в работе выполнялось при помощи шкалы тональных отношений, разделенных на пять тонов (самый светлый — это облака и самый темный — это в тенях).

Контраст — 1) резкое различие, противоположность величин: размера, цвета (светлого — темного, тёплого — холодного, насыщенного и нейтрального) и т. д.; 2) в изобразительном искусстве — это распространенный художественный прием, представляющий собой сопоставление к. -л. противоположных качеств, способствующее их усилению. Контраст — одно из важных изобразительных средств и бывает светлотный, цветовой, величинный и др. Контраст светлотный и хроматический — явления, при которых воспринимаемое различие зрительно больше, чем его физическая основа. На светлом фоне цвет предмета кажется более темным, на темном — светлым. Светлотный контраст наиболее четко проявляется на границе темной и светлой поверхностей[5, с 166].

Если отношения яркостей на рисунке или этюде сохранены, картина действительности будет выглядеть неизменной и правдивой. Будут переданы и материальность предметов, и пространственное их удаление.

Эта закономерность зрительного восприятия чрезвычайна важна для выполнения тонального или живописного изображения. Правдивость тоновой и цветовой характеристики предметов сохраняется и на изобразительной плоскости, если их тоновые различия изображены в пропорциональных видимой натуре отношениях [3, с 37].

8. Выполнение живописной работы на картоне

Рисунок был перенесен с тонового картона на другой картон методом передавливания с кальки на поверхность картона с помощью копирки. Работа выполнялась методом многослойной живописи.

Многослойная живопись — важнейшая техническая разновидность масляной живописи, требующая расчленения работы на ряд последовательных этапов (подмалевки, прописки, лессировка), разделенных перерывами для полного просыхания краски. При исполнении крупной тематической композиции, а также при длительной работе вообще, многослойной живописи [3, с 169].

Подмалевок был выполнен локальными цветами. Далее прописки на материальность. Фактурный мазок на самых светлых частях облаков. И в завершении лессировки.

Лессировка — один из приемов живописной техники, состоящий в нанесении очень тонких слоев прочных и полупрозрачных красок поверх высохшего плотного слоя других красок. При этом достигается особая легкость, звучность цветов, что является результатом их оптического смешения [3, с 168].

Лессировки бывают обобщающие, корректирующие.

Заключение

Итогом моего обучения является эта дипломная работа. Я выбрала сложную тему и столкнулась с множеством трудностей, но решать возникшие проблемы было даже интересно. Мне пришлось долго заниматься построением фигур, ракурс был выбран сложный и непривычный. Пришлось пересмотреть множество литературы. Но эту задачу удалось решить. При выполнении поставленных целей и задач я проверила и свои творческие возможности, обнаружила свои слабые места.

ПоказатьСвернуть
Заполнить форму текущей работой