Исторические костюмы Древнего Египта и Древней Руси

Тип работы:
Реферат
Предмет:
Культура и искусство


Узнать стоимость

Детальная информация о работе

Выдержка из работы

1. ВИДЫ И ЖАНРЫ В ИСКУССТВЕ

Искусство — это творчество в целом.

Когда говорят о видах искусства, имеют в виду различные произведения, которые могут быть объединены по какому-то общему для них признаку. Основными видами искусства являются: изобразительное, прикладное искусство, литература, музыка, кино, танец, фотография, театр и т. д.

Изобразимтельное искумсство -- раздел пластических искусств, вид художественного творчества, целью которого является воспроизводство окружающего мира. Понятие объединяет различные виды живописи, графики и скульптуры[1].

Изобразительное искусство — пространственное, не растянуто во времени. Оно требует двух- или трехмерного пространства. Хотя в наше время благодаря техническим возможностям появился вид искусства, включающий временное пространство (видеоарт).

Изобразительное искусство отражает действительность с помощью зрительных образов:

— многообразие окружающего мира;

— мысли и чувства человека.

Это способ познания окружающего и себя самого. Для этого художник использует обобщение и воображение.

Для изобразительного искусства характерны произведения, эстетическая ценность и образность которых воспринимается чисто зрительно. Произведения изобразительного искусства могут быть беспредметны и даже нематериальны, (заставка на экране, гарнитура книжного шрифта), но, независимо от материальности и предметности, типичные произведения изобразительного искусства обладают чертами объекта (ограниченностью в пространстве, стабильностью во времени).

Основными видами изобразительного искусства являются:

· Живопись (работа выполненная в цвете, красками, на плоскости)

· Графика (работа выполненная линиями, штрихами, на плоскости без красок)

· Скульптура (работа выполненная в объеме путем высекания, лепки, отливки)

· Архитектура (искусство создавать здания, сооружения, комплекс сооружений)

· Декоративно-прикладное искусство (искусство украшать)

· Театрально-декорационное искусство

· Дизайн (искусство компоновки, стилистики и украшения)

Живопись - вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую — либо поверхность (темпера, масляные краски, акрил, гуашь, …).

Графика - (греч. graphike, от grapho «графо"-- пишу, рисую, черчу), вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные изображения, основанные на искусстве рисунка, но обладающие собственными изобразительными средствами и выразительными возможностями.

Рисунки выполняются карандашом, тушью, сепией, сангиной.

Печатные изображения — гравюры, литография, ксилография, монотипия.

Графика делится на станковую, книжную и прикладную.

На грани живописи и графики стоят акварель, гуашь и пастель.

Первые произведения графики — наскальные росписи первобытного искусства.

В Древней Греции графическое искусство было на высочайшем уровне вазопись.

Скульптура (лат. sculptura, от sculpo -- вырезаю, высекаю), ваяние, пластика, вид изобразительного искусства, произведения которого имеют объёмную, трёхмерную форму и выполняются из твердых или пластических материалов.

Скульптура — это объемное изображение.

Материалы: кость, камень, дерево, глина, металл, воск.

Скульптура — один из самых древних видов искусства.

Первые скульптурные произведения являлись идолами, оберегами, изображали древних богов.

Различаются круглая скульптура (осматриваемая с разных сторон) и рельеф (высокий, средний, низкий, контррельеф).

Скульптура делится на виды: станковую и монументальную (памятники, монументы) и монутентально-декоративную (архитектурное убранство).

Архитектура - искусство постройки зданий и сооружений для жизни и деятельности людей.

Слово «архитектура» произошло от греческого «Архус» — главный, высший;

«Тектонико» — строительство.

Требует трехмерного пространства. Имеет еще и внутреннее пространство — интерьер.

Архитектура как дизайн строений все же не относится к изобразительному искусству в строгом смысле, но постоянно взаимодействует и находится в стилистическом соответствии с ним. К изобразительному искусству, с достаточной мерой условности, относят действия акционизма и некоторые другие визуальные произведения неопределённой принадлежности.

Декоративно-прикладное искусство (ДПИ)

- область декоративного искусства: создание художественных изделий, имеющих практическое назначение в общественном и частном быту, и художественная обработка утилитарных предметов (утварь, мебель, ткани, орудия труда, средства передвижения, одежда, украшения, игрушки и т. д.).

В каждом доме живут и служат нам различные предметы. И если их коснулась рука художника, ювелира или народного умельца, то они становятся произведением декоративно — прикладного искусства. Термин появился в 18 в. от французского слова «декор» — украшение везде.
Прикладное означает то, к чему приложено умение, искусство.

Театрально — декорационное искусство

Этот вид искусства включает в себя создание декорации, бутафории, костюмов, грима.

Дизайн

- (англ. design замысел, план, намерение, цель и от лат. designare отмерять, намечать) -- творческая деятельность, целью которой является определение формальных качеств промышленных изделий. Эти качества включают и внешние черты изделия, но главным образом те структурные и функциональные взаимосвязи, которые превращают изделие в единое целое как с точки зрения потребителя, так и с точки зрения изготовителя. Дизайн стремится охватить все аспекты окружающей человека среды, которая обусловлена промышленным производством (Определение дизайна, предложенное Томасом Мальдонадо и утверждённое на VI Конгрессе ИКСИД.)

— творческий процесс создания вещи, в котором эстетика определяет содержимое (суть), а технологии форму вещи.

Человека, занимающегося художественно-технической деятельностью, в рамках какой-либо из отраслей дизайна, называют в общем случае 'дизайнером' (в том числе архитектора, проектировщика, иллюстратора, дизайнера плакатной и прочей рекламной графики, веб-дизайнера).

На рубеже XIX--XX вв. появляется фотоискусство, оформляется, в современном представлении, дизайн; в традиционных видах намечаются новые неизобразительные направления. В двадцатом веке изобразительное искусство переживает невиданно интенсивный обмен с динамическими видами искусства. Его методы и технологии экспортируются в киноискусство (мультипликация). На протяжении двадцатого века продолжают возникать новые виды и подвиды изобразительного искусства, в том числе -- связанные с виртуальной реальностью.

Виды изобразительного искусства

Графика

Рисунок * Станковый рисунок * Книжная графика * Плакат

Гравюра: Ксилография * Офорт * Акватинта * Сухая игла * Литография

Живопись

По материалу: Акварель * Масло * Мозаика * Пастель * Темпера * Цифровая * Аэрография По назначению: Фреска * Монументальная * Станковая * Театральная * Декоративная * Миниатюра

Скульптура

Статуя * Бюст * Барельеф * Горельеф

Декоративно-прикладное

Батик * Гобелен * Изонить (Нитяная графика) * Одежда * Мебель * Посуда

Технические

Медиаискусство * Компьютерная графика * Художественная фотография

Нестандартная оптика

Диорама * Циклорама (циркорама) * Косморама * Панорама * Мириорама * Неорама

Жанры изобразительного искусства.

Термин «жанр» произошел от французского — вид, род.

Жанр — вид художественных произведений, характеризующийся определенными темами.

Первые самостоятельные жанры появились в Нидерландах в 16 веке.

v Исторический — изображение реальных исторических персонажей или событий

v Мифологический, религиозный — изображение мифологических, религиозных сюжетов

v Батальный — изображение военных действий

v Портрет — изображение человека

v Пейзаж — изображение природы

v Натюрморт — изображение предметов: цветов, дичи, утвари

v Бытовой — изображение жизни людей

v Марина — изображение моря

v Анималистический — изображение животных

v Интерьер — изображение внутреннего убранства архитектурного сооружения.

2. ЖЕНСКИЙ КОСТЮМ В ДРЕВНЕМ ЕГИПТЕ (эстетический идеал красоты, ткани, цвет)

Историю Древнего Египта принято делить на периоды:

Древнее царство (3000 — 2400 гг. до н.э.)

Среднее царство (2400 — 1710 гг. до н.э.)

Новое царство (1580 — 1090 гг. до н.э.)

Расцвет Древнего Египта пришёлся на XVI -- XV века до н.э.

По политическому устройству государство было деспотической монархией во главе с фараоном и высшей знатью -- рабовладельцами и жрецами. В представлении древних египтян фараон являлся наместником бога на земле. Своеобразная египетская религия, основанная на культе богов Солнца, Луны, Земли, домашних и диких животных (крокодила, льва, шакала, коровы, кошки, сокола, змеи), пронизывала все сферы жизни. Особую роль играла религия в искусстве, в эстетических представлениях людей.

Художественные образы заключали в себе символику содержания (лотос -- символ плодородия и бессмертия, змей -- символ власти). Дошедшие до нас памятники искусства Древнего Египта дают ясное представление о том, как выглядели и одевались представители различных сословий.

Идеальными и у мужчин, и у женщин считались высокие, стройные фигуры с тонкой талией и широкими плечами, миндалевидный разрез глаз, тонкие черты лица, прямой нос, полные губы. Женщины должны были быть светлокожими, иметь небольшую грудь, широкие (но не пышные) бёдра и длинные ноги.

Современный английский археолог Леонард Котрелл так писал о древнеегипетских красавицах: «Как бы радовались египетские дамы, если бы знали, что даже спустя 5 тысяч лет они могут вызывать восхищение! (…) Красавицы Греции и Рима восхищают, но не волнуют нас. Они кажутся такими же холодными, как мрамор, из которого они изваяны. Но если надеть на Нефертити платье „от Диора“, и она войдёт в нём в фешенебельный ресторан, то будет встречена восхищёнными взглядами присутствующих. Даже её косметика не вызовет пересудов»

Ткани, цвет, орнамент.

Египет считается родиной льна. Природные условия долины Нила способствовали разведению этого растения. Мастерство египетских ткачей достигло высокого совершенства. О внешнем виде и свойствах древнеегипетского льна позволяют судить образцы ткани, сохранившиеся до наших дней. На 1 см² такой ткани проложено 84 основных и 60 уточных нитей; 240 м тончайшей, почти не различаемой глазом пряжи весили всего 1 г. Ткач ощущал такую нить только пальцами. По тонкости египетский лен не уступал натуральному шелку: сквозь пять слоев льняной ткани, надетой на человека, было отчетливо видно его тело. Легчайшие, почти прозрачные ткани, изготавливаемые египетскими мастерами из таких нитей, сравнивались с «дыханием ребёнка» или «сотканным воздухом» и ценились буквально на вес золота.

Древнеегипетские ткани окрашивались в различные цвета, чаще всего в красный, зелёный и синий; в эпоху Нового царства (1580--1090 гг. до н. э.) появились жёлтые и коричневые красители. В чёрный цвет ткани не окрашивали. Траурным считался голубой цвет одежды. Но самым распространённым и любимым у всех слоёв населения был белый цвет и его оттенки: небеленые, серовато-желтые, кремовые

Фактура полотна была разнообразной. Особенно эффектной была ткань в период Нового царства: сеткообразная, затканная блестящими бусинками, золотом, украшенная вышивкой.

Ткани могли быть как однотонными, так и узорчатыми. Излюбленными орнаментальными мотивами были перья (символ богини Исиды) и цветы лотоса. Рисунок наносился на ткань с помощью вышивки или особого способа окраски с применением различных протрав. Орнаментация носила преимущественно геометрический характер (полосы, зигзаги) и располагалась по всей поверхности ткани. Наряду с ними были обобщенные рисунки цветов и листьев лотоса, папируса, камыша, пальмы, стрелы как стилизованные солнечные лучи. В одежде знати использовался узор с обобщенным изображением животных -- змея-уреуса, жука-скарабея, ястреба с распростертыми крыльями.

В узорчатых тканях на светлом или темном фоне применяли синий, голубой, коричнево-красный, охристо-желтый, зеленый цвета узора.

Виссон -- название весьма любимой в древности материи, которая была предметом роскоши, составною частью царского и жреческого костюмов, принадлежностью религиозных обрядов и т. д. Виссоном называли всякую материю, доведенную в обработке до высшего совершенства.

Кроме льна применялись кожа и мех, в основном для изготовления одежды обрядового назначения.

Основные виды и формы костюма.

В Древнем Египте наиболее распространённым типом одежды была одежда драпированная, позже -- накладная, но никогда не распашная. Покрой и форма одежды (как мужской, так и женской) на протяжении веков менялась очень медленно; долгое время одежда разных сословий отличалась только по качеству ткани и по отделке. В эпоху Древнего царства (3000 -- 2400 гг. до н. э.) единственной одеждой мужчин была набедренная повязка -- схенти, представлявшая собой полосу ткани, обмотанную вокруг бёдер и закреплённую на талии поясом. У египетских женщин древнейшей одеждой был калазирис -- своеобразный узкий сарафан, плотно облегавший тело. Он держался на одной или двух бретельках и доходил до лодыжек, оставляя грудь открытой. Калазирис был достаточно узким и не позволял делать большие шаги. У знатных женщин встречались вышивка и плиссировка.

Эту одежду носили женщины всех слоёв общества, только крестьянки для удобства движений делали на своих калазирисах разрезы по бокам.

Калазирис — основа женской одежды на протяжении всей истории Древнего Египта. Изменения затрагивали только детали кроя (иногда вместо отдельных бретелей делали цельнокроеную рубашку с круглым вырезом горловины и небольшими рукавами.

Со временем древнеегипетская одежда заметно усложняется. Традиционные схенти и калазирисы сохраняются лишь в обиходе простолюдинов; в костюме знати они начинают играть роль нижнего белья. В эпоху Нового царства у мужчин и женщин в моду вошёл заимствованный у сирийцев нарамник -- длинная и широкая накладная одежда из тонкой ткани. Лёгкие, полупрозрачные ткани, окутывавшие тело человека словно бы дымкой, придавали ему черты изящества и изнеженности. Такая одежда видоизменяла облик своего хозяина, украшала его, позволяла скрывать недостатки фигуры. В качестве отделки для нарядов древние египтяне использовали плиссировку, бахрому, золотые блёстки и фаянсовый или стеклянный бисер.

Аксессуары.

Костюм древних египтян состоял из небольшого числа элементов, благодаря чему особое значение приобретали аксессуары. Именно они, наряду с украшениями, служили основными носителями информации о социальном статусе своего владельца.

Самым распространённым из аксессуаров был пояс. Простолюдины подпоясывались узкими кожаными ремешками; состоятельные люди, напротив, носили длинные тканые пояса-ленты (чаще всего -- красные или синие, иногда -- узорчатые).

Одеяния рабов

Профессиональные певцы и танцовщицы носили такие же прозрачные платья, как и знатные дамы. А зачастую выступали обнаженными, и весь их наряд состоял из нескольких украшений — пояска, ожерелья, браслетов и сережек. Совсем юные служанки без стеснения ходили обнаженными.

Часто встречаются изображения рабынь в национальных одеждах. Например, семитские женщины изображаются одетыми в прямые свободные рубахи с крупным цветным геометрическим орнаментом и сапожки.

Украшения, головные уборы, прически, обувь, элементы символики в костюме.

Основное декоративное значение в костюме египтян имели украшения, заключающие в себе элементы символики. В период Древнего царства египтяне носили на шее всевозможные амулеты, магические подвески, которые постепенно становились украшениями. Люди скромного достатка не меньше знати любили украшения. Только вместо золота они пользовались украшениями из керамики и бронзы.

Дорогие, затканные золотом и драгоценными камнями, цветными стеклянными бусами круглые шейные украшения символизировали солнечный диск. В образе солнечного диска почитался в Египте бог Атон, единый создатель мира и всего живого. Широко были распространены ручные и ножные браслеты, подвески, кольца, бусы, золотые диадемы и пояса. Жена фараона носила головной убор из цветной эмали с изображением коршуна или шапочку с цветком лотоса.

И мужчины, и женщины Древнего Египта носили парики из растительного волокна или овечьей шерсти. Знать надевала длинные парики с мелкими косичками или трубчатыми локонами.

Рабы и крестьяне носили маленькие парики или шапочки из льняной ткани.

На сохранившихся фресках египтяне изображены в основном без обуви. Сандалии из пальмовых листьев, папируса, а затем и из кожи носили лишь фараон и его приближенные. Сандалии были простой формы, без бортиков и задников, с загнутой кверху подошвой и двумя-тремя тонкими ремешками. На подошвах изображались различные бытовые и военные сцены.

В период Нового царства появились и другие фасоны обуви. Так, в одном из сундуков, обнаруженных исследователями в гробнице Тутанхамона, среди прочих вещей оказались самые настоящие шлёпанцы без каблуков, с кожаными носками, расшитые мелкими золотыми блёстками.

Несмотря на то, что обувь была такой простой, египтяне её очень берегли. Крестьяне, отправляясь в город по делам, часто несли свои сандалии в руках и обувались только на месте. Знатные люди тоже часто ходили босиком, особенно у себя дома.

У женщин самыми распространёнными головными уборами были ленты и диадемы, одноцветные или украшенные орнаментом. Жёны фараонов часто изображаются в короне, имеющей вид коршуна с распростёртыми крыльями, выполненного из золота с инкрустацией из драгоценных камней или цветной эмали. Иногда поверх этой короны водружали высокие золочёные перья (атрибут богини истины Маат) и изображение лунного диска -- знак Хатор, богини красоты и любви. Такой убор, разумеется, предназначался лишь для особых случаев. Вообще, создаётся впечатление, что головные уборы цариц не так уж строго определялись дворцовым ритуалом и больше отражали их личные вкусы. К примеру, прекрасная Нефертити отдавала предпочтение простому синему венцу цилиндрической формы, который позволял подчеркнуть изящную посадку головы и стройную шею.

3. ЧТО ТАКОЕ «ПАНЬЕ»

Паньем (фр. panier -- «корзина») -- каркас из ивовых или стальных прутьев или из пластин китового уса для придания пышности женской юбке. В Германии и в России подобные каркасы назывались фижмами (от нем. Fischbein -- «рыбья кость, китовый ус»)

Существует версия, что панье появилось в начале 1710-х годов под влиянием театра: в одном из спектаклей актрисы появились в широких и небывало пышных юбках. Поначалу, как это и бывает с любой модной новинкой, эти юбки вызвали смех и недоумение, но затем стали излюбленным фасоном на долгие годы.

Каркас-панье помогал женщине достичь модного в эпоху рококо силуэта -- «перевёрнутой рюмочки». Тонкая, стянутая корсетом талия, прямые плечи и бокалообразная юбка создавали такое впечатление. Панье пристёгивалось на пуговицах к жёсткому корсету. (приложение 3)

На самом деле юбки на обручах появились ранее -- в конце XIV века, в Испании. Эту моду подхватила Англия, куда в 1501 году прибыла для бракосочетания испанская принцесса Екатерина Арагонская. Во Франции прообраз панье прижился чуть позже.

Панье в течение своей довольно длительной истории (до 1780-х годов) много раз меняли не только размер, но и форму. Так, в 1720--1730 годы женщины носили пышные круглые панье.

В 1740-е из Англии пришла мода на так называемые «панье с локотками» -- овальный каркас расширял юбку с боков, при этом делая её плоской спереди и сзади.

В 1750--1760 годы панье становятся более скромными и вновь приобретают круглую форму. Во второй половине века панье как бы разделяется на две полукупольные формы (для каждого бедра отдельно). Они соединялись тесьмой на талии.

В эпоху Марии-Антуанетты панье становятся до того большими и неудобными, что их снабжают складной конструкцией на шарнирах, а также увеличивают проёмы каретных дверец.

4. ДРЕВНЕРУССКОЕ ИСКУССТВО 15 - 17 вв.

Современное понимание искусства Древней Руси опирается, главным образом, на памятники архитектуры, литературы, иконописи, а также предметы археологических исследований.

Для искусства 15 — 17 веков характерны следующие черты:

· Замедленность темпов развития. Важную роль играл опыт предыдущих поколений, традиции.

· Господство в идеологии религиозного мировоззрения.

· Накопление знаний, не имеющих научного обоснования.

· Устное народное творчество.

Конец XIV — начало XVI века называют золотым веком Древней Руси. Это было время торжества Москвы, вобравшей духовную и художественную культуру Киева и Владимира, Новгорода и Пскова.

В течение второй половины 15 и в 16 в. искусство Москвы, став общерусским национальным искусством, отражая идеи силы и значительности русского централизованного государства, приобрело ярко выраженные черты торжественности, представительности и величавости. Вместе с тем сквозь религиозную оболочку все яснее стали пробиваться светские тенденции.

Архитектура была ведущим искусством в конце 15 и в 16 в. Во время укрепления авторитета великого князя Ивана Грозного и создания единого централизованного государства огромные средства тратились на укрепление старых крепостей и создание новых (Пзборска, Ивангорода и др.), которые должны были обезопасить государство от нападения извне. Особенно большой размах оборонное строительство приобрело в 16 в., когда сооружались кремли в Нижнем Новгороде, Туле, Коломне, Зарайске, реставрировались старые укрепления псковского Крома, возводились мощные стены Кириллово-Белозерского и Соловецкого монастырей.

Когда Москва стала столицей единого общерусского государства, на ее архитектуру было обращено особенное внимание. В начале 16 в. окончательно сложился ансамбль Московского Кремля. Подобно многим средневековым ансамблям, Московский Кремль приобрел свой окончательный вид в результате многовекового строительства.

Успенский собор (1475--1479),(приложение 4) возведенный под руководством итальянского архитектора Аристотеля Фиораванти, был главной русской святыней, символизировавшей всю православную церковь. Здесь происходило венчание на царство и погребали русских митрополитов. В Успенском соборе получили дальнейшее развитие лучшие традиции русского храмового зодчества. По образцу пятиглавого Успенского собора с применением декоративных деталей Архангельского было сооружено множество храмов в первой половине 16 в. Однако русские строители не подражали слепо, а широко использовали многовековые традиции. Из светских сооружений сохранилась часть старого кремлевского дворца -- приемная великого князя -- Грановитая палата, построенная Марко Руффо и Пьетро Солари в 1487--1491 гг. Итальянские мастера использовали опыт русской гражданской архитектуры. Снаружи стены Грановитой палаты отделаны граненым рустом, а портал богато декорирован рельефами, вырезанными из белого камня.

Сравнительно небольшое количество дошедших до нас построек светского характера объясняется тем, что их строили преимущественно из дерева. Обилие этого дешевого и благородного материала определило исключительно интенсивное развитие на территории Руси деревянного зодчества. Из дерева строились крестьянские избы и дома горожан, боярские хоромы и княжеские дворцы. Огромное значение имела в Древней Руси и деревянная храмовая архитектура. На протяжении столетий совершенствовали русские плотники свое мастерство и в результате многовекового опыта и тщательного отбора выработали наиболее совершенные и экономные средства для строительства простых крестьянских изб и величественных монументальных церквей. Деревянная храмовая архитектура продолжала развиваться в 17 и 18 вв. Именно в это время она обрела свои зрелые формы, о чем свидетельствует замечательная церковь погоста Кижи.

Однако влияние деревянной архитектуры на каменную нельзя представлять упрощенно. Среди шатровых каменных храмов 16 в. первой по времени является церковь Вознесения в Коломенском, возведенная, по преданию, в честь рождения наследника Василия Ш -- будущего царя Ивана IV Грозного. Издавна на Руси строились надвратные шатровые церкви; шатер был обычным покрытием и крепостных башен. Таким образом, можно считать несомненным, что в коломенской церкви сочетались различные традиции, идущие и от крепостного строительства, и от каменной церковной архитектуры, и от деревянного зодчества. Динамичный характер церкви Вознесения резко отличает ее от обычных пятиглавых и одноглавых церквей. Церковь Вознесения свидетельствует о величайшей творческой энергии эпохи 16 в. в древнерусской художественной культуре. Она стоит на высоком берегу Москвы-реки, мощно воздействуя на весь окружающий ее пейзаж. Зодчий воздвиг памятник, исполненный новых архитектурных идей, несущий в себе новые эстетические нормы. (прилож. 5)

В живописи можно видеть аналогичные процессы. Ее образы начали становиться более импозантными и торжественными. Художников увлекали различные сложные сюжеты, помогавшие им выразить новые представления о мире и человеке.

Развитие древнерусской живописи шло по пути от страстного душевного порыва, выраженного в творчестве Ф. Грека, к самоуглублению, созерцанию той внутренней красоты, которая заключена в душе человека (А. Рублев), разрушения сочетания между внешней красотой формы и глубинной внутренней характеристики, наметившегося в творчестве Дионисия, и до стремления к жизненному правдоподобию (С. Ушаков).

Замечательной чертой древнерусского искусства на всем протяжении развития была его человечность, глубина раскрытия высоких нравственных идеалов. В мужественности и силе новгородской фрески, в проникновенности и теплоте рублевских святых, в страстности отшельников Феофана Грека, в монументальности и величии древних соборов, в радостном узорочье 17 в. -- везде ощущается живой народный дух, мечта русских людей о гармонии мира и человека. Древнерусское искусство представляет собой одну из существенных частей общемировой средневековой художественной культуры.

Создание икон требовало огромного мастерства, духовного совершенства, внутренней чистоты. Всем этим в полной мере обладал великий древнерусский художник Андрей Рублев. самом совершенном и самом прекрасном его творении — «Троице».

Наследие А. Рублева оказало огромное влияние на его современников и последователей. Его иконопись стала символом московской живописи эпохи Предвозрождения. После А. Рублева наиболее крупным явлением московской школы стало творчество Дионисия.

Мастер внес много нового в понимание колорита, который ни у одного из русских художников не был так богат и разнообразен.

В искусстве Дионисия и его школы получила свое дальнейшее развитие московская иконопись в росписях соборов Ферапонтова монастыря, Успенского собора в Кремле и других. Дионисий, его ученики и последователи выработали свой стиль, имевший большой успех.

Сознательное стремление русских великих князей и царей подчинить живопись государственным задачам отчетливо выступает во многих произведениях 16 века. В этом отношении особый интерес представляет огромная икона «Церковь воинствующая» (1552, Третьяковская галерея), написанная в ознаменование взятия Казани Иваном Грозным. Сложный повествовательный характер решительно отличает ее от живописи 15 столетия. В сущности, это уже не икона, а скорее картина со сложным символико-аллегорическим сюжетом. Недаром и предназначалась она не для какой-либо церкви, а для украшения покоя Ивана IV.

Наиболее замечательным архитектурным памятником 16 столетия явился Покровский собор (храм Василия Блаженного), построенный в 1555 — 1560 гг. в честь взятия Казани Иваном Грозным. Собор сооружен русскими архитекторами Бармой и Посником (некоторые исследователи предполагают, что Посник и Барма -- одно лицо), которых, без сомнения, можно причислить к гениальнейшим зодчим. Храм Василия Блаженного поражает живописным великолепием, производит поистине сказочное впечатление — настолько разнообразны архитектурные формы этого сооружения, состоящего из девяти церквей-столпов, подобных храмам в Коломенском и Дьякове. (приложение 5)

17 век -- переломное время в истории Руси. Это столетие характеризуется важнейшими изменениями во всех сферах общественной жизни. Происходило действительное слияние всех древнерусских земель в единое целое.

Руководство искусством было централизовано, изменения в нем регламентировались властью. Архитекторы, живописцы, мастера других видов искусства сосредоточились в Приказе каменных дел и в Оружейной палате в Кремле. Последняя стала своеобразной школой, где объединялись лучшие художественные силы. Для всех русских земель Москва была непререкаемым авторитетом в области искусства. С другой стороны, именно из Оружейной палаты исходили всяческие новшества, именно в кремлевских мастерских появлялись произведения, сводившие на нет строгую опеку и регламентацию. Здесь работали украинские, литовские, армянские мастера, нередко знакомые с искусством Запада, и иностранные художники, получившие образование в Европе. Здесь развертывалась деятельность Симона Ушакова -- крупного русского живописца, стремившегося порвать с традициями древнего искусства. Наконец, Здесь же возникла школа русской гравюры, явившаяся связующим звеном с новой гравюрой следующего столетия.

В художественной культуре 17 столетия сложились исключительно благоприятные условия для развития орнамента. Стены храмов, трапезных монастырей, гражданских построек одевались в богатые праздничные наряды, их покрывал затейливый узор из кирпичей, белого камня, разноцветных изразцов. Церковная утварь и предметы обихода часто сплошь покрывались узорами. Золотые и серебряные оклады, обильно украшенные драгоценными камнями, закрывали теперь изображения святых, оставляя открытыми только лики. Драгоценные камни, жемчуг, золото применялись и при изготовлении посуды и парадных одежд. Большим успехом пользовались в то время на Руси богато орнаментированные красочные произведения прикладного искусства восточных стран, особенно турецкие и иранские ткани, ковры, оружие.

В 17 столетии бурно развивались почти все виды русских ремесел и ювелирное дело. Резчики по дереву и металлу создавали поражающие богатством выдумки и тонкостью мастерства иконостасы, сени, иконки, кресты; их труд широко использовался в отделке интерьеров. Чеканщики изготовляли замечательную металлическую посуду и оклады для икон. Вышивальщицы соревновались с мастерами Италии, Франции, Турции, Ирана. Подлинное возрождение переживало эмальерное дело.

Чтобы по достоинству оценить декоративно-прикладное искусство Руси 17 в., необходимо ощутить жизнь отдельных предметов в интерьере того времени, представить их в определенном окружении.

Начиная с 16 столетия строгость и сдержанность, свойственные интерьерам более ранних веков, постепенно уступили место пышности и декоративному великолепию, достигшему в 17 в. своего апогея. Блеску и пышности интерьера соответствовали парчовые ризы священников. Митры епископов и патриархов были чудом ювелирного искусства. Столь же пестрым и богатым декоративным ансамблем являлся и интерьер гражданских сооружений. О его характере дают представление аппартаменты Теремного дворца Московского Кремля. Они обильно украшены декоративной росписью. Цветы и травы стелются по стенам, покрывают своды, повторяются в тонкой резьбе подоконников и дверей, в ярких изразцах печей. Затейливым узором покрыты мебель и предметы обихода.

Народное творчество оплодотворяло прикладное искусство, именно оно служило источником, откуда черпали мотивы мастера, создавшие роскошные княжеские и священнические одежды, блещущие драгоценными камнями оклады икон, поражающие великолепием сосуды.

Костюм Московской Руси XV—XVII вв.еков.

Костюм Московской Руси XV—XVII вв. сохраняет основные части костюма Киевской Руси (рубахи, порты); большую длину одежды, неотрезной крой; манеру ношения и отделку.

Однако появляется и целый ряд новых особенностей, отличающих костюм Московской Руси от костюма Киевской Руси. Наиболее характерные среди них следующие:

1) появление распашной одежды, которая застегивалась у женщин до низа, а у мужчин -- только до пояса.

Вначале это была застежка встык на навесные петли, затем образуется заход верхней правой полы на левую. Эта застежка налево осталась специфической особенностью национальной русской одежды.

2) значительное расширение ассортимента одежды знати, его социальное расслоение. Появляются виды одежды с декоративными нефункциональными деталями (откидные рукава, каркасные воротники), которые носила только феодальная знать: охабни, ферязи, терлики, летники, телогреи. Классовое расслоение проявляется и в использовании дорогих тканей, отделки, украшений, количестве одновременно надеваемых одежд.

В связи с тем, что одежда наглухо закрывала тело, особую роль среди ювелирных украшений играют не столько навесные, сколько закрепленные на одежде -- вышивка золотом, серебром, жемчугом; петлицы из золоченой тесьмы или шнура длиной 12−15 см, пуговицы из серебра, золота, драгоценных камней, цветной эмали. Все виды украшений были плоскими, объемной орнаментации (оборки, рюши, банты) костюм Московской Руси не имел.

В рубахе разрез горловины переместился с середины влево, появляется рубашка-косоворотка. Длина ее стала меньше. Появились различные по назначению рубахи, например горничные, которые носили в горнице.

Поверх рубахи надевали зипун -- распашную одежду полуприлегающего, расширенного книзу силуэта с застежкой встык (приложение. 6). Длина его была от середины коленей и выше. Рукав узкий до запястья. Пройма была прямой, рукав не имел оката. Поверх зипуна одевались различные кафтаны.

Характерной мужской одеждой этого периода была также шуба -- распашное изделие объемного, расширенного книзу силуэта с длинными широкими рукавами и отложным меховым воротником. Верх шубы обычно покрывали тканью (атласом, парчой, бархатом, сукном), подкладкой служил мех соболя, горностая, куницы, лисицы, песца, зайца, белки, а также овчины. Шубу застегивали на шнуры. Иногда рукава на уровне локтя имели прорез для продевания рук, при этом оставшаяся нижняя часть рукавов свободно свисала.

В суровых климатических условиях северных областей Руси шубу носили все. Однако бояре и дворяне в некоторых случаях надевали шубу и летом и не снимали ее даже в помещении как признак своего достоинства.

Такие формы костюма, как ферязь и охабень, появились в одежде дворян и бояр как выражение их сословной принадлежности и имущественного положения. Форма деталей и манера ношения этих видов кафтана подчеркивали полную неприспособленность их владельцев к какому-либо труду. Дорогую шелковую или бархатную ферязь длиной до пола на подкладке из дорогого меха надевали только на правый рукав, собирая его длину многочисленными сборками. Левый рукав свисал до самого пола

Охабень из атласа, бархата, парчи имел четырехугольный откидной воротник, который доходил до половины спины, и длинные узкие рукава, которые завязывались сзади.

Костюм царя и духовенства.

Костюм царя и царицы отличался от одежды знати только в особо торжественных случаях. Тогда он состоял из царского платна -- распашной длинной одежды, очень расширенной книзу, с широкими короткими рукавами. Линия застежки встык, борта, низ платна и низ рукавов обшивались декоративной полосой. Сверху надевался круглый широкий воротник -- барма и головной убор -- тулья конусообразной формы с меховым околышем Царские облачения настолько живописны, ярки и богаты, что в описаниях иностранцев их сравнивали с «солнцем, убранным звездами».

Одежда духовенства по силуэту и покрою от светской не отличалась. Основными видами ее были подрясник типа кафтана и верхняя ряса типа шубы. Зимой духовники носили шубу. Головным убором служил белый или черный (в зависимости от сана) клобук типа капюшона или мягкая шляпа.
Необыкновенная роскошь, пышность, богатство костюма русского двора и церкви создавались многими средствами: дорогой тканью, богато орнаментированной и украшенной, использованием драгоценных камней и металлов, пышных объемов, силуэта, деталей. Среди этих средств -- древнерусское художественное орнаментальное шитье золотными нитями и драгоценными материалами.

Золотное шитье выполнялось волочеными, прядеными нитями, битью (тонкая полоска золота или серебра), канителью (тонкая золотая проволока, скрученная в виде спирали). Металлическая нить накладывалась на ткань и прикреплялась мелкими стежками шелковой или льняной ниткой в цвет или по контрасту с золотом. Фоном были бархат, шелк, кисея. Талантливые русские мастерицы-золотошвеи делали шов «вприкреп» необыкновенно выразительным, дополняя его жемчугом, драгоценными камнями, самоцветами, блестками.

Орнаментальные композиции золотного шитья включают в себя растительные мотивы, изображение птиц, зверей, фантастических животных, стилизованные женские фигуры.

Для каждого центра золотошвейного мастерства имелись излюбленные формы цветущих кустов в вазонах в виде букетов или пышного дерева. Орнамент располагался свободным узором или сплошь закрывал фон.

Женский костюм.

Исключительно красочным и живописным был женский костюм Московской Руси. В конструктивном его решении было много общих черт с мужским костюмом, хотя предпочтение отдавалось глухому накладному типу одежды. Конструктивная основа женской одежды состояла из полочек и спинки, вырезанных из прямых кусков ткани, расширенных книзу за счет клиньев. Ширина женской одежды внизу, как и мужской, могла доходить до 6 м. Линия проймы была прямая, рукав не имел оката и мог по-разному оформляться внизу в различных видах одежды.

Нижней (а у крестьянок и верхней) одеждой по-прежнему служила рубаха из хлопчатобумажной или шелковой ткани, прямая, собранная по горловине, с узким длинным рукавом. Поверх рубахи надевали сарафан.

Шили его из холста, шелка или парчи. По центру переда сарафан украшали вертикальной полосой с позументами или рядом медных оловянных пуговиц. Он держался на узких коротких плечевых лямках и подпоясывался под грудью.

Наряду с сарафанами в женском костюме Московской Руси продолжали носить старинные запону, нагрудник, поневу, передник. Короткой верхней распашной одеждой была душегрея, которая, так же как и сарафан, держалась на плечевых лямках. Полочки душегреи были прямые, спинка заложена трубчатыми защипами, вверху имела фигурный вырез мысом, к которому пришивались лямки.

Душегрею надевали поверх сарафана и рубахи, шили из дорогих узорчатых тканей и обшивали по краю декоративной каймой. Будучи самобытной национальной одеждой, душегрея возвращалась в моду более поздних времен.

Верхней накладной одеждой, которую носили в основном состоятельные женщины, был летник -- глухая одежда прямого покроя, расширенная за счет боковых клиньев до 4 м внизу. Особенностью летника были широкие колоколообразные рукава, сшитые от проймы только до локтя. Далее они свободно свисали до пола остроугольными полотнищами ткани. Внизу их украшали вошвами -- треугольными кусками атласа или бархата, расшитыми золотом, жемчугом, металлическими бляхами, шелком. Такие же вошвы пришивали к вороту и спускали на грудь.

Летник украшали также бобровым ожерельем-воротником. Мех для ожерелий подкрашивали обычно в черный цвет, чтобы подчеркнуть белизну и румянец лица. Разновидностью летника была накладная шубка, которая отличалась от него покроем рукава. Рукава шубки были длинные и узкие. По линии проймы делался прорез для продевания рук. Телогрея по силуэту, форме деталей, тканям напоминала шубку, но являлась распашной одеждой с пуговицами или завязками

Так же как в Киевской Руси, головной убор продолжает быть композиционным центром костюма. Чело кичное и венец украшают жемчужные пряди с подвесками -- рясы вдоль щек, поднизь -- на лоб. В косу девушки вплетали золотые, серебряные, жемчужные нити, цветные шнурки, треугольные украшенные накосники в конце косы.

У замужних женщин получил широкое распространение головной убор кика, носимый поверх повойника и состоящий из обруча, чехла -- «сороки» и назатыльника.

Деревянный или кожаный обтянутый тканью обруч имел различную форму: полумесяца, подковы, лопаты. К нему прикрепляли чехол -- «сороку» и назатыльник, которые делались из дорогой, украшенной вышивкой ткани. Кику могли носить под убрусом или сверху него.

Самым нарядным головным убором был кокошник, цельный, украшенный жемчугом, с очень высокой передней частью. Иногда к нему прикрепляли покрывало из дорогой узорной ткани В холодное время года женщины носили меховые шапки горлатные или колпаки с околышем.

Для знатной барыни или дворянки считалось неприличным появиться без густого слоя белил и румян, густо начерненных бровей и ресниц.

Наиболее распространенными украшениями костюма были ожерелья, серьги, перстни, браслеты, булавки.

Женщины носили кожаные, сафьяновые, бархатные, атласные сапоги и башмаки. До XVII в. обувь была без каблуков, затем появляется высокий каблук.

В романе «Князь Серебряный» А. К. Толстой описывает костюм Елены жены боярина Морозова: «На ней был голубой аксамитный летник с яхонтовыми пуговицами. Широкие кисейные рукава, собранные в мелкие складки, перехватывались повыше локтя алмазными запястьями или зарукавниками. Такие же серьги висели по самые плечи; голову покрывал кокошник с жемчужными наклонами, а сафьяновые сапожки блестели золотой нашивкой».

костюм древнерусский живопись жанр

Литература

1. Каган М. С. Морфология искусства. -- Л.: Искусство, 1972. -- 440 с. -- 20 000 экз.

2. Дональд А. Норман. Дизайн привычных вещей = The Design of Everyday Things. -- М.: «Вильямс», 2006. -- С. 384. -- ISBN 0−465−6 710−7

3. Лакшми Бхаскаран. Дизайн и время. -- СПб.: Арт-родник, 2009.

4. Египет: Земля фараонов. М., 1997.

5. Кацнельсон И. П. Тутанхамон и сокровища его гробницы. М., 1979.

6. Мерц Б. Красная земля, чёрная земля. Древний Египет: легенды и факты. М., 2004.

7. М. Н. Мерцалова. Костюм разных времён и народов. Т. I-IV. М. -СПб. -2001.

8. Монтэ П. Повседневная жизнь египтян во времена великих фараонов. М., 2000.

9. Уайт Дж. Боги и люди Древнего Египта. М., 2004.

10. Данилова Г. И. «Мировая художественная культура: От истоков до XVII века. 10 класс»

Учебная и справочная для учащихся

1. Гузик М. А. Учебный путеводитель по художественной культуре России: Кн. Для учащихся / М. А. Гузик. — М.: Просвещение, 2002

2. Энциклопедия для детей. Т.7. Искусство. Ч. 1. Архитектура, изобразительное и декоративно-прикладное искусство с древнейших времен до эпохи Возрождения / Глав. редактор М. Д. Аксенова. — М.: Аванта+, 1999

3. Дмитриева Н. А. Краткая история искусств — М., 1990

4. Любимов Л. Искусство Древней Руси. — М., 1974

Основная научно-исследовательская литература:

5. Алпатов М. Немеркнущее наследие. — М., 1990

6. Бусева-Давыдова И. Л. Художественная культура древней Руси // «Искусство», приложение к «1 Сентября», 1996, № 2, 4, 5, 7, 9, 10, 11, 13, 14, 15, 17, 18; 1997, № 1−10

7. Вагнер Г., Владышевская Т. Искусство Древней Руси. — М., 1991

8. Лазарев В. Н. Русская иконопись от истоков до начала XVI века. — М., 1983

. ur

ПоказатьСвернуть
Заполнить форму текущей работой