Художники-передвижники

Художники-передвижники

В 1863 г. 14 кращих художників випускників Петербргской академії мистецтв, допущених до конкурсу велику золоту медаль, вимагали від академічного начальства права совбодного вибору теми конкурсної картини відповідність до схильностями кожного. (А їм було запропоновано один міфологічний і тільки класичний ландшафтний сюжети.) Почувши відмову, «бунтарі «вийшли зі складу Академії і організували петербурзьку «Артіль художників ». То справді був перша організація незалежного нового мистецтва.

К 70-мгодам нові естетичні ідеї так заволоділи умами російських художників, що з’явилася потреба у об'єднанні художников-реалистов всій Росії, щоб целеустремлённо здійснювати життя дорогі всім принципи. Ідея Товариства пересувних виставок, запропонована Г. Г. Мясоедовым, В. Г. Перовым, М. М. Ге і И. Н. Крамским, була палко схвалена художниками Москви й Петербурга.

Передвижники — художники, котрі входили в російське демократичне художнє об'єднання Toвapищecтвo пepeдвижныx xyдoжecтвeнныx выcтaвoк. (ТПХВ), створене 1870 г. з ініціативи В.Перова. Перша виставка відбулася 1871 г. Передвижники відчули вплив суспільних соціальних і естетичних поглядів В. Бєлінського і Н.Чернышевского. Велику роль формуванні їхнім творчим програми зіграв критик В.Стасов. П. Третьяков матеріально підтримував передвижників, придбавши їх твори в галузі своєї галереї. Передвижники були переконаними реалістами, а висунута ними програма народності мистецтва полягала у зображенні типових сторін і багатогранних характерів соціальної життя, часто з критичної тенденцією («Земство обідає «Г.Мясоедова, 1872 г., «Зустріч ікони «К.Савицкого, 1878 г.). Передвижники показують як бідність, а й красу народного побуту («Прихід чаклуна на селянську весілля «В.Максимова, 1875 г.), як страждання, а й стійкість перед обличчям життєвих негараздів, мужність і сила характерів («Бурлаки на Волзі «І.Рєпіна, 1873 г.), багатство і велич рідний природи (пейзажі А. Саврасова, І.Шишкіна, І.Левітана), героїчні сторінки національної історії (картини В. Сурикова) і визвольного народного руху («Арешт пропагандиста », 1892 г., «Відмова від сповіді «, 1885 г., «Не чекали », 1888 г., І.Рєпіна). Важливе значення у творчості набувають соціально побутової портрет («Курсистка «М.Ярошенка, 1883 г.), пейзаж, та — історична живопис, де головною дійовою особою виступає народ («Ранок стрілецької страти «В.Сурикова, 1881 г.). Образи російської народно-сказочной фантазії оживають на полотнах В.Васнецова. Твори В. Сурикова, І.Рєпіна, М. Ге, В. Васнецова, І.Шишкіна,, І.Левітана, які становлять вершини передвижнического реалізму, відрізняються вільної, широкої манерою листи, передачею світлоповітряного середовища з допомогою рефлексів, кольорових тіней, свободою та розмаїттям композиційних рішень. Остання 48-а виставка ТПХВ відбулася 1923 г.

Перов Василь Григорьевич

Годы життя: 1834 г. — 1882 г.

Жанрист, портретист. Народився Тобольську у ній юриста Г. К. Криденера. Перов вважався незаконнонародженим, оскільки батьки були повінчані саме його народження. Дитячі роки частково провів у Арзамасі, де навчався школі А. В. Ступина (1846−1849, з перервами). У 1853 року вступив в московське Училище живопису та ліплення. Зазнаючи матеріальну потребу, зустрів підтримку викладача Е. Я. Васильева. Вчителями Перова були М. И. Скотти, А. М. Мокрицкий, С. К. Зарянко, однокашником та інше — И. М. Прянишников.

.

Вже ранньому творчості Перов виступив як художник социально-критической спрямованості. У 1858 року Великий срібної медаллю відзначено його картина «Приїзд станового на слідство «(1857, ГТГ), потім Малу золоту медаль він отримав за картину «Перший чин. Син дячка, вироблений в колезькі реєстратори «(1860, місцезнаходження невідомо). Перші твори Перова мали надзвичайний успіх на виставках. До випускного конкурсу Перов хотів написати «Сільський хрещений на певний Великодню », але ескіз ні затверджений. Працюючи і далі з цього сюжетом, Перов одночасно підготував картину «Проповідь на селі «(1861, ГТГ). Її критичне зміст було висловлено менш прямо, і автор цих удостоївся Великий золоту медаль і право на закордонне відрядження. У 1862 року він виставив у Товаристві заохочення митців у Петербурзі «Сільський хрещений на певний Великодню «(1861, ГТГ), але полотно було віддалене з виставки з забороною зраджувати його популярності. Бездуховність церковних пастирів, темрява, невігластво і безвір'я народу — зміст цього твору, за силою викриття який знає собі рівних можливостей у попередньої російської живопису. До цього часу художній мову Перова звільняється з учнівських кайданів, і можна казати про новизні його засобів вираження. Різні елементи картини підкорилися завданню реалістичного відображення наблюденной і «глибоко осмисленою життєвої ситуації.

.

.

В 1862 року завершили «Чаювання в Мытищах біля Москви «(ГТГ) — іще одна яскравий зразок критичного реализма2. Виїхавши зарубіжних країн, художник влаштувався Парижі. Тут створені «Паризькі тряпичники «(1864, ГРМ), «Катеринщик «(1863, ГТГ), «Савояр «(1864, ГТГ, повторення — КМРИ), «Продавець Піснярів «(ескізи — ГТГ і Музей ТАССР). Проте, «не знаючи ні народу, і його життя, ні характеру », Перов не бачив собі користі працювати у Франції та просив дозволу достроково повернутися в батьківщину. Він здобув дозвіл продовжити пенсіонерський термін в один Росії та 1864 року риехал у Москві. Творчість Перова другої половини 1860-х років різноманітно за тематикою. Як і раніше укладаючи у собі социально-бличительное зміст, воно придбало й виразні ліричні ноти. У цей час написані багато видатні витвори митця: «Проводи небіжчика «(«Похорон селянина », 1865, ГТГ), «Приїзд гувернантки в купецький будинок », «Трійка «(обидві 1866, ГТГ), «Утоплениця «(1867, ГТГ), «Останній шинок у застави «(1868, ГТГ).

.

Зрелый майстер побутового жанру, й глибокий психолог, Перов виступає часом як і тонкий пейзажист як автора видатних портретів — О. Н. Островського (1871, ГТГ), Ф. М. Достоевского (1872, ГТГ) та інших. На межі 1860−1870-х років Перов став однією з ініціаторів, і активних діячів Товариства пересувних художніх виставок. З 1871 року по скону він викладав у московському Училище живопису та ліплення. У 1870-е роки побутової жанр Перова набула нового напрям. Тепер художника особливо залучали соціальні й психологічні типи людей («Мандрівник », 1870, ГТГ, «Птицелов », 1870, ГТГ, «Мисливці на привалі «, 1871, ГТГ, повторення 1877 — ГРМ). У 1876 року скінчилася також картина «Монастирська трапеза », розпочата ще 1860-е роки. Декілька років художник працював над історичним полотном «Суд Пугачова «(1879, ГРМ, варіант 1875 -ГИМ, ескізи — ГТГ). Внесок Перова в мистецтво середини ХІХ століття надзвичайно вагою. У його творах яскраво проявилися особливості російського критичного реалізму цієї пори.

АЛЕКСЕЙ КІНДРАТІЙОВИЧ САВРАСОВ

(1830−1897).

.

Алексей Кіндратович Саврасов (1830−1897) — чудовий російський художник-пейзажист, одне із членів-засновників Товариства передвижників, народився Москве.

Алексей Кіндратович Саврасов народився 24 травня 1830 року московського купця третьої гильдии.

В ранньої юності у майбутнього художника виявляються неабиякі здатність до живопису. Всупереч бажанню батька, який мріяв «пристосувати сина до комерційних справам », Саврасов в 1844 року вступає у Московське училище живопису та ліплення. У 1848 року у звітах Ради Московського художнього суспільства згадується про успіхи кращого учня перспективного і пейзажного класу А. До. Саврасова, яким керує відомий московський «видописец «До. І. Рабус.

.

На кошти І. У. Ліхачова, мецената, членами Ради Московського художнього суспільства, Саврасов серед учнів влітку 1849 року аж на південь Росії і близько пише види Одеси і Малоросії. За з програмних робіт цього року художника нагороджують похвальным листом, а 25 вересня 1850 року кінчає Училище і він здобуває звання неклассного художника за картини «Вигляд Московського Кремля під місяцем «і «Камінь в маленької струмка » .

Первые пейзажі Саврасова безпосередньо пов’язані з власними традиціями академічної школи. У академічної пейзажної живопису 40−50 років переважало романтичне напрям, щодо нього був близьким і саме вчителі Саврасова. У юнацьких творах Саврасова — «Вигляд Москви з Воробйових гір «(1848, ГТГ), «Вигляд Кремля в непогожу погоду «(1851, ГТГ) — позначилося зовнішнє вплив романтизму. Проте пейзажі Саврасова відрізнялися живими спостереженнями, щирістю чувств.

Летом 1854 года художник працює у Фінської затоки під Петербургом. На осінньої виставці у Академії мистецтв (6 жовтня 1854 р.) привернули увагу дві його картини: «Вигляд навколо Оранієнбаума «і «Морський він беріг у околицях Оранієнбаума », які художнику присвоюється звання академика.

В Москві Саврасов знову бере участь у виставках училища живопису та ліплення, а по смерті свого вчителя у 1857 году стає керівником пейзажного класу. Викладання йде успішно, Саврасова оточують люблячі друзі і ученики.

.

В тому самому року він одружується з Софії Карлівні Герц, сестрі відомого археолога і історика мистецтва. У їхній оселі збираються художники, митці, меценати (у цьому однині і П.М.Третьяков), читаються літературні новинки, ведуться жваві розмови, суперечки з питанням, яке хвилювало тоді російське общество.

Особенно міцно був А. К. Саврасов з В. Г. Перовым, ініціатором створення Товариства пересувних виставок. У. Р. Перов допомагав художнику писати постаті бурлак у картині «Волга під Юрьевцем », Саврасовым ж написано пейзаж в картинах Перова «Птицелов «і «Мисливці на привалі «.

Для російського мистецтва 60-ті роки минулого століття були часом затвердження національної вдачі російського пейзажу. Дедалі частіше пейзажисты звертаються до зображенню переважно сільській среднерусской смуги, прагнуть правдиво передати красу рідний земли.

Много працює Саврасов навколо Москви: «Вигляд на селі Кунцево «(1855, ГТГ), «Вечірній пейзаж «(1861, Держ. художньому музеї Латвійської РСР), «Сільський вид «(1867, ГТГ).

Весной 1862 года на пропозицію Товариства аматорів мистецтв А. К. Саврасов виїхав за кордон, відвідав Всесвітню художню виставкою Лондоні, побував на Копенгагені, Берліні, Дрездені, Лейпцигу, Парижі, Мюнхені, прожив 2 місяці в гірської Швейцарії. Англійські і німецькі майстра привернули увагу художника «прагненням правди і самостійності «.

Наиболее значним твором Саврасова 1960;х років була картина «Лосиний острів «(1869, ГТГ), увінчана першої премії на конкурсі Московського Товариства аматорів мистецтв. Відзначаючи цю удачу, одне із сучасників писав про умінні художника «поетично пе-ренесть на полотно знайомий кожному людей клаптик природи з околиць Москви ». Величний і урочистий сосновий бір стоїть, як страж розташованих далей. Ясный літній день. На луках мирно пасеться стадо. Старанно розроблено у пейзажі кожна деталь: кущі, дерева, трава на галявині. Тут художник розкриває значущість звичайного і повсякденного у природі. Картина «Лосиний острів «віднесено до часу розквіту творчості художника. Наступні роки ознаменовані створенням кращих Шевченкових творінь. У грудні 1870 року А. К. Саврасов разом із дружиною їде на Волгу. Живе в Ярославлі, під Костромою, у Нижньому Новгороді, Юр'євці. Картина «Печерський монастир під Нижнім Новгородом «(1871, Горьковський держ. художньому музеї) — одне з великих полотен митця і перший із відомих його волзьких пейзажів. Саврасов підкорений величавої урочистістю, неосяжними обширами волзької природи, її органічної зв’язком із життям людини, з життям російського народа.

В широку панораму пейзажу природно вписані вдома слобідки з садами, зеленіючі луки, сині лагуни, піщані обмілини, і над — який піднімається білокам'яний монастир. Природа і творча людина у картині едины.

" Тиха життя Ярославлі дозволяє мені зосереджено займатися мистецтвом " , — пише художник П. М. Третьякову. Одна одною з’являються картини «Волга під Юрьевцем «(1871, місцезнаходження невідомо), «Розлив Волги під Ярославлем «(1871, ГРМ) і, нарешті, «Граки прилетіли «(1871, ГТГ), яка з’явилася на Першої пересувній виставці, захоплено прийнята всеми.

" Пейзаж «Граки прилетіли «є найкращий, і він, справді прекрасний, хоча тоді й Боголюбов, і барон Клодт, і И.И.(Шишкин. — Про. І.). Але це — дерева, вода і навіть повітря, а душа є лише у «Грачах «» , — писав И. Н. Крамской Ф.А.Васильеву. Появі картини передували етюди з натури, написані художником в Ярославлі й на селі Молвитиново біля Костромы.

.

Неяркий і тонкий колорит, побудований на м’яких поєднаннях сірих, коричневих, білих хусток і блакитних тонів, передає перламутрову ніжність весняних фарб. У північної природі після довгої зими пробудження настає повільно. Сніг довго лежить на жіночих полях, клякнуть під вітром дерева, аж раптом усе сповнюється легким трепетом життя, радісним гомоном птахів. Белоствольные берізки тонкими гілками кидаються до легким хмарам, голубеющему небу, під теплим подувом вітру рожевіють і набухають нирки, гучні граки в’ють гнізда. Повітря весняний, легкий, прозорий і ясно видно висока кам’яна церква з шатрової дзвіницею і широкі простори полів вона з річкою вдалеке.

" Яка простота! — писав И. И. Левитан. — Але цю простотою відчуваєте м’яку, хорошу душу художника, якому всі це дорого і близько його серцю ". Ніхто до Саврасова було так глибоко й поетично розкрити красу та ліричність російського пейзажу. Картина «Граки прилетіли «сприяла успіху Першої пересувної виставки. З того часу Саврасов міцно пов’язав свій творчий діяльність із Товариством пересувних выставок.

Многие витвори митця, які з’являлися на виставках передвижників, були написані Поволжі. Саврасов бував під Нижнім Новгородом й під Казанню, але понад усе любив місця між Ярославлем і Костромою. Картини Шагала різноманітні про передачу стану природи, діапазону почуттів. У пейзажі «Розлив Волги під Ярославлем «(1871, ГРМ) спокійна міць російської природи, «розливи річок, подібні морях » .

В одних творах природа постає оновленої, радісній — «Путівець «(1873, ГТГ), «Райдуга «(1875, ГРМ), за іншими — схвильованої, поетично піднесеною — «Вечір. Переліт птахів «(1874, Одеська картинна галерея).

В роки у творах Саврасова дедалі більше відчувається сум, тривога, або навіть гостра туга: «Місячна ніч. Болото «(1870, ГТГ), «Захід над болотом «(1871, ГРМ).

Под враженням особистої трагедії (смерть доньки 1871 г.) Саврасов створює одне з драматичних своїх полотен «Могили над Волгою «(1874, приватне собрание).

В кінці 1970;х років художник тяжко занедужує, в творчості його помітні риси занепаду. Але й у пізній період з’являються справді поетичні твори, у тому числі - «Жито «(1881, ГТГ), «Зимовий пейзаж «(приватне зібрання), «Північна село », «Весна. Городи «(1883, Пермська держ. художня галерея).

Нелегкими виявилися митця останні десятиліття. Відомі прохання Саврасова про грошових позички, про казенної квартирі: роки А. До. Саврасов провів у глибокої нужді і помер 26 вересня 1897 року у Москве.

Его учень И. И. Левитан писав: «Не стало однієї з найглибших російських пейзажистов, з Саврасова з’явилася лірика у живопису пейзажу і безмежна любов зі своєю землі. Так, покійний Саврасов створив російський пейзаж, і це його безсумнівна заслуга ніколи забута в області російського мистецтва » .

Васильев Федір Александрович

(1850−1873).

.

Васильев (Федір Олександрович) — пейзажист. Народився 19 лютого 1850 року, помер 8 вересня 1873 року. Васильєв був син дрібного почтамтского чиновника в Петербурзі, вже дванадцятирічним дитиною він він віддали на службу в глав. поштамт, де отримував 3 рубля платні на місяць. Разом із ранніх пір приохотився до малювання і, повертаючись додому з поштамту, займався малюванням.

.

Молодой Васильєв невдовзі залишив службу й вступив у малювальну школу Товариства заохочення мистецтв, а трохи згодом став користуватися порадами І.І. Шишкіна. У 1867 року Васильєв написав на Валаамі кілька етюдів з натури, хто був виставлені в Товаристві заохочення мистецтв. У 1870 року Васильєв разом із панами Рєпіним і Макаровим зробив поїздку до Волзі і картини: «Відлига », «Вигляд на Волзі «і Зимовий пейзаж », які доставили йому популярність. Взимку 1870 року Васильєв сильно застудився і в нього виявилася сухоти. На пропозицію графа Строганова він провів літо 1871 року у маєтках їх у Харківської та Воронезької губерніях, але здоров’я свого не поправив. Суспільство заохочення мистецтв дало йому кошти їхати у Крим, ще до його від'їзду Васильєв був зарахований вольноопределяющимся учнем Академії Мистецтв і одержав звання художника I-го ступеня з вимогою витримати іспит з наукової курсу. У Криму ще Васильєв провів двох років та, крім безлічі малюнків, написав дві картини: «Болото «і «Кримський вид », які йому було присуджено премія від Товариства заохочення мистецтв у 1872 року. Наступного року він одержав звання почесного вільного общника Академії, а у вересні він помер місті Ялті. Усі що залишилися після нього твори, большею частиною незакінчені, були розкуплені. З альбомів його два були придбано покійної імператрицею Марією Олександрівною і двоє перебувають у бібліотеці Академії Мистецтв. З творів Васильєва найкращі такі: «Наближення грози », «Полудень », «Болото », «Вигляд на Волзі «, «Перед грозою », «Зимовий пейзаж », «Узбережжя », «Відлига », «Зима, «Мокрий луг » .

.

Васильев — одне із найбільш талановитих російських пейзажистов, картини його відрізняються поетичністю і досконалої гармонією у фарбах. Васильєв помер від сухот, ознаки якої з’явилися після застуди, схопленої їм наприкінці зими 1870 — 71 років. Останніми роками його існування були затьмарені безуспешностью клопоту про документах, які визначили його громадське становище (Васильєв був незаконнонароджений). Листи Васильєва до І.Н. Крамскому, надруковані «Віснику Образотворчих Мистецтв «(1889 — 1890 роки), висвітлюють цей період її життя Васильєва, його характері і погляди на мистецтво. У. Чуйко.

ИВАН ІВАНОВИЧ ШИШКИН

(1832−1898).

.

В скарбниці російського мистецтва Івану Івановичу Шишкіну належить одна з найпочесніших місць. З іменем Тараса Шевченка пов’язана історія вітчизняного пейзажу другий половини ХІХ століття. Твори видатного майстра, найкращі з яких стали класикою національної живопису, здобули величезну популярность.

.

Среди майстрів старшого покоління І. І. Шишкін представляв своїм мистецтвом явище виняткове, якого було невідомо у сфері пейзажної живопису попередні епохи. Подібно багатьом російським художникам, він від природи мав величезним талантом самородка. Ніхто до Шишкіна з такою приголомшливою довірою і з такою щирою сокровенностью не повідав глядачеві про любов до рідного краю, до непомітною принади північної природы.

Шишкин народився 13 (25) січня 1832 року у Єлабузі - маленькому провінційне містечко, розташованому вищому березі Ками, суворого і величному. Вразливий, допитливий, обдарований хлопчик знайшов незамінного друга у своїй батька. Небагатий купець, І. У. Шишкін був людиною різнобічних знань. Його захоплювала техніка, він займався археологією, історією, прагнув в усі починання внести щось своє, нове і корисне. Зацікавлення давнини, природі, до читання книжок він прищеплював й синові, заохочуючи в хлопчика любов до малювання, пробудившуюся дуже рано.

В 1848 року, проявивши відому самостійність і закінчивши казанської гімназії («ніж зробитися чиновником », як Шишкін пояснював пізніше), юнак повернулося на батьківська хата, де нудився протягом наступних чотирьох років, внутрішньо протестуючи проти обмежених інтересів основної маси те, які обивателів і знаходячи ще можливості визначити подальший творчий путь.

К систематичним занять у московському Училище живопису та ліплення Шишкін приступив лише двадцятирічному віці, ніяк не подолавши патріархальні підвалини сім'ї, противившейся (крім батька) його бажання стати художником.

В серпні 1852 року його вже входить у список учнів, які у Московське Училище живопису та ліплення, де на січень 1856 року навчався під керівництвом Аполлона Мокрицкого.

В училище відразу визначилося потяг Шишкіна до пейзажу. «Пейзажист — істинний художник, він відчуває глибше, чистіше » , — записав він має кілька згодом у щоденнику. «Природа завжди нова … і завжди готова дарувати невичерпним запасом своїх дарів, що ми називаємо життя. Що може бути краще природи … «.

Богатство і розмаїтість рослинних форм захоплює Шишкіна. Невідривно студіюючи натуру, в якій усе йому здавалося цікавим, чи це старий пень, корч, сухе дерево. Художник постійно малював в підмосковному лісі - в Сокольниках, вивчаючи форму рослин, проникаючи в анатомію природи й роблячи це з великою захопленням. Наблизитися до природи було його головна мета вже у ті часи. Поруч із рослинністю, він старанно зображував вози, сараї, човни чи, наприклад, що йде селянку з торбинкою позаду. Малюнок від початку став йому найважливішим засобом вивчення натуры.

.

Среди ранніх графічних робіт Шишкіна цікавий лист, виконаний 1853 року, з двадцятьма дев’ятьма пейзажними начерками, що їх окреслено. Шишкін явно шукає мотиви, гідні картини. Проте її начерки гранично прості - сосна у води, кущ на болотистої рівнині, берег річки. І це вже проявляється своєрідність художника. Його племінниця А. Т. Комарова розповідала згодом: «Поступово вся школа дізналася, що Шишкін малює такі види, які ще ніхто перед ним не малював: просто полі, ліс, ріка, коли він виходять так красиво, як і швейцарські види » .

Приобретенный Державним Російським музеєм ще дуже боязкий у виконанні, явно учнівський етюд «Сосна на скелі «, датований квітнем 1855 року, — єдина дошедшая до нас пейзажна натурная робота олійними фарбами, що відноситься до часу навчання Івана Шишкіна в училище. Нею видно, що олівець тоді підпорядковувався краще, ніж краски.

Ко часу закінчення на самому початку 1856 року училища творчі інтереси Шишкіна, выделявшегося у своїх товаришів видатним талантом, помітно визначилися. Як пейзажист вона вже придбав деякі професійних навиків. Та митець жадав подальшому вдосконалення і у грудні 1856 року рушив в Петербург, щоб поступити до Академії мистецтв. З цього часу творча біографія Шишкіна міцно пов’язана із столицею, де він прожив остаточно своїх дней.

О графічному майстерності Шишкіна можна судити з малюнку «Дубки під Сестрорецком «(1857). Поруч із властивими цієї великої «мальованій картині «елементами зовнішньої романтизації образу, у ній є й натурности зображення. У творі видно прагнення художника до пластичної трактуванні природних форм, хороша професійна выучка.

Шишкин в період навчання у Академії мистецтв найменше виявляв симптоми наслідувальності, та деякі впливу торкнулися та її. Це стосується колись лише до творчості надзвичайно популярного свого часу швейцарського пейзажиста А. Калама, художника неглибокого, але любовно який вивчав альпійську природу, вміло її зовні опоетизувати. Копії з робіт Калама були обов’язковими в навчальної практиці як Академії, а й московського училища. Оцінюючи вплив А. Калама на манеру листи молодого художника А. Мокрицкий пише до Шишкіну в Петербург 26 березня 1860 року пише: «Пригадую. Ви казали мені, що у способі і манері малювання малюнки Ваші нагадують Калама — я — не бачу, в манері Вашої є щось своє… Це свідчить, що немає потреби в наслідування манері одного чи іншого майстра. Манер є сама зовнішній бік твори мистецтва і тісно пов’язані з особистістю художника-автора і засобом мірою його розуміння предмети й володіння техникою мистецтва. У цьому плані важливо лише одна, щоб художник піддивився, як кажуть, цей манер у самій натурі, а чи не засвоїв його несвідомо » .

Произведения молодого Шишкіна, створені у роки навчання у Академії, відзначені романтичними рисами, але те швидше даниною пануючій традиції. В нього все виразніше проступало тверезе, спокойно-вдумчивое ставлення до природи. Він підходив до неї як митець, захоплений красою, а й як дослідник, вивчав її формы.

Подлинной школою для Шишкіна став Валаам, який був місцем літньої роботи з натурі академічним ученикам-пейзажистам. Шишкін захоплювався дикої, незайманою природою мальовничого і суворого архіпелагу валаамских островів з його гранітними скелями, віковими соснами і ялинами. Вже перші проведені тут місяці з’явилися йому серйозної практикою в натурної роботі, яка сприяла закріплення і вдосконаленню професійних знань, більшого розуміння життя природи в різноманітті та взаємозв'язку рослинних форм.

.

В самої натурі, Шишкін шукає такі мотиви, яка б розкрити їх у об'єктивної значимості, і намагається відтворити їх у рівні картинної завершеності, що з усією наочністю можна судити з іншому етюду тієї ж серії - «Вигляд на острові Валаамі «(1858). Умовність і певне декоративність кольору сусідять тут із ретельної половинчастим вивченням деталей, про те пильною всматриванием в натуру, що стане відмітною рисою визначення всього подальшого творчості майстра. Художник захоплений як красою відкритого проти нього виду, а й розмаїттям природних форм. Їх він прагнув передати, як можна конкретніше. Цей сухуватий по живопису, але який свідчив про хорошому володінні малюнком етюд ліг основою конкурсної картини Шишкіна «Вигляд на острові Валаамі. Місцевість Кукко », демонстрованої на академічної виставці 1860 року й відзначеної Великий золоту медаль. Вона розташувалася до цього часу США, а 1986 року виявилася з аукціону у Лондоні. Доля їх у час неизвестна.

Окончив Академію з Великий золотий медаллю в 1860 року, Шишкін отримує декларація про поїздку зарубіжних країн як пенсионера.

Его шлях до стильовий особливості своєї творчості аж ніяк непростим, що у формуванні його як пейзажиста ще позначалася міцна зв’язку з Академією і його естетичними принципами. Зовні вона продовжувала зберігатися і після повернення Шишкіна з-за кордону, куди він виїхав у 1862 року як пенсіонер Академії. Проявляючись головним чином його успішних виступах на академічної виставці 1865 року з картиною «Вигляд навколо Дюссельдорфа «(Державний Російський музей) і потім, в 1867 року, з тією ж роботою на Паризької Всесвітній виставці, через рік знову на академічної виставці, Шишкін зовні виявляється відкриті академічного начальства і навіть нагороджується орденом Станіслава III степени.

Но майстерність, накопичене в Академії і втримав закордоном, мало орієнтувало художника вплинув на вибір подальшого власного шляху, вибір тим паче відповідальний для Шишкіна та її самобутнього таланту як собі, а й найближчими товаришами, чувствовавшими у ньому пейзажиста, йде знову дорозі. Зближення з членами Артілі і особливо з І. М. Крамским також могло благотворно позначатися на назрілих пошуках творчої перестройки.

В 1867 року художник знову на легендарний Валаам. На Валаам Шишкін поїхав що з сімнадцятилітнім Федором Васильєвим, якого опікувався і навчав живописи.

Эпопея російського лісу, неминучою та суттєвої приналежності російської природи, почалася творчості Шишкіна, сутнісно, з картини «Рубання лісу «(1867).

Для визначення «особи «пейзажу Шишкін віддав перевагу хвойний ліс, найбільш характерний північних областей Росії. Шишкін жадав зображенню лісу «ученим чином », щоб вгадувалася порода дерев. Але у, начебто, протокольної фіксації містилася своя поезія нескінченного своєрідності життя дерева. У «Рубанні лісу «це видно пружною округлості спиляною їли, що здається стрункої античної колоною, сокрушенной варварами. Стрункі сосни у частині картини тактовно вирізняються світлом згасаючого дня. Улюблений художником предметний план з папоротями, соковитої травою, сирої землею, розірваної кореневищами, зверьком на передньому плані мухомором, контрастує з урочистим і гучним лісом, — усе це вселяє почуття захоплення красою матеріальної життя природи, енергією проростання лісу. Композиційне побудова картини позбавлене статичності - вертикалі лісу перетинаються, разрезаются по-діагоналі струмком, поваленими ялинами і ростучими «вроздрай «нахиленими осиками і березою.

Летом 1868 року Шишкін поїхав батьківщину, в Єлабугу, щоб отримати благословення батька на вінчання із Євгенією Олександрівною Васильєвій, сестрою художника.

В вересні цього року Шишкін подав академію мистецтв два пейзажу, сподіваючись отримати звання професора. Натомість художника було подана рекомендація щодо ордена, ніж, видно, був раздосадован.

Тема російського лісу після Рубки лісу тривала і випаровувалася на все життя художника. Влітку 1869 року Шишкін працював над кількома картинами, готуючись до академічної виставці. Картина «Полудень. Довкола Москви «вибивалася із загального ладу. У вересні-жовтні 1869 року його експонувалася на академічної на виставці й, певне, була придбана. Тому Павло Третьяков у листі до художника просив облишити картину його. Шишкін з вдячністю погодився віддати їх у колекцію за 300 рублів — суму, запропоновану Третьяковым.

В картині «Полудень. Довкола Москви «пролунала тема, яка охопила не лише творчість Шишкіна, а й значну частину російської пейзажної живопису. Тема подяки, сприйняття життя, як блага, має неявний християнський джерело. Ідея блага одним із центральних проблем філософії і мистецтва другої половини ХІХ століття. Про нього казали й Михайло Бакунін («…немає зла, всеблаго. Для релігійного людини… все благо і чудово… «.

Начиная з 1-ї Пересувний виставки, протягом усіх двадцяти п’яти Шишкін брав участь на виставках своїми карти.

АРХИП ІВАНОВИЧ КУИНДЖИ

(1842−1910).

.

Архип Іванович Куїнджі народився 1842 року околицями Маріуполя у ній грека, бідного шевця. Прізвище Куїнджі було дано йому за прізвиську діда, що татарською означає «золотих справ майстер ». Рано осиротівши, хлопчик жив в родичів, працював у чужих людей: був слугою у хліботорговця, служив у підрядчика, працював ретушером у фотографа.

Основы грамоти Куїнджі дістав листа від знайомого вчителя грека, та був навчався міською школою. Любов до малювання проявилася в нього у дитинстві, він малював скрізь, де доводилося, — на стінах будинків, парканах, клаптиках паперу. Пристрасть до малювання привела їх у Феодосію до И. К. Айвазовскому. Пробувши кілька місяців у знаменитого художника, Куїнджі їде під Петербург із поступити до Академії мистецтв. Не відразу йому вдалося стати учнем Академії: слабкої виявилася художня підготовка. Він двічі тримав екзамени та двічі безрезультатно. Але: гго були зупинити завзятої і наполегливого юнака. У 1868 року на академічну виставку він представив картину «Татарська сакля », за що одержав звання неклассного художника. У цьому року і його прийняли вільним слухачем до Академії. Куїнджі поринає у атмосферу художнього життя. Він дружить із І. Є. Рєпіним і У. М. Васнецовым, знайомиться з І. М. Крамским — ідеологом передових російських художників. Ліричність пейзажів Саврасова, поетичне сприйняття природи в картинах Васильєва, епічність полотен Шишкіна — все відкривається перед пильним оком молодого художника.

.

Куинджи починає шукати шляхи мистецтво. Створена їм у 1872 року картина «Осіння бездоріжжя «(ГРМ) своєї реалістичної спрямованістю була близькою картинам художников-передвижников. Куїнджі не просто передав осінній холодного дня, розмиту дорогу з тьмяно поблескивающими калюжами — він увів у пейзаж самотню постать жінки з дитиною, яку важко йде з бруду. Осінній пейзаж, пронизаний вогкістю і млою, стає сумним розповіддю про прості російських людях, про тужливої безрадісної жизни.

Лето 1872 року Куїнджі провів на Ладожском озері, на острові Валаам. Через війну з’явилися картини: «Ладозьке озеро «(1872, ГРМ), «На острові Валаам «(1873, ГТГ). Неквапно, спокійно веде митець у своїх картинах розповідь про природу острова, з його гранітними берегами, омываемыми протоками, з темними густими лісами, упалими деревами. Цю картину можна порівняти з билинним епосом, мальовничим сказанням про могутній північної боці. Серебристо-голубоватый тон картини повідомляв їй особливу емоційну піднесеність. Після виставки 1873 року, де цей витвір було показано, про Куїнджі заговорили у пресі, зазначаючи його самобутній і великий талант.

В 1874 року Куїнджі пише картину «Забута село «(ГТГ), котра, за гостроті соціального звучання, нещадної правді показу пореформеній російської села перегукувалася з картинами передвижників. Наступного року Куїнджі виставив три картини: «Чумацький тракт в Маріуполі «(ГТГ), «Степ в кольору «і «Степ ввечері «(місцезнаходження невідомо). У фільмі «Чумацький тракт «митець написав нескінченний потік обозів, повільно рухомих в похмурий день по осінньої степу. Відчуття холоду, вогкості посилюється колористичним рішенням полотна.

Совсем інші під настрій «Степ ввечері «і «Степ квітують ». Художник стверджував у яких красу природи, захоплювався живлющої силою сонячного тепла. З цих робіт, сутнісно, починається новий етап творчості цілком сформованого художника. Прагнучи розширити знання, Куїнджі робить закордонну поїздку. Перебування по закордонах, ознайомлення з мистецтвом Англії, Франції, Бельгії, Німеччини збагатило художника яскравими враженнями разом із тим зміцнило впевненість у власних силах, у вірності вибраного шляху. У 1876 року на П’яту пересувну виставку Куїнджі представив «Українську ніч «(ГТГ).

.

С величезної поетичної силою відкрилася дивовижна краса української ночі… На березі невеличкий річечки примостилися осяяні місячним сяйвом українські хатки. Вгору кинулися тополі. Тиша, спокій розлиті у природі. На синьому, немов із оксамиту, небі мерехтять яскраві зірки. А, щоб так природно, і виразно передати місячне сяйво, мерехтіння зірок, художнику знадобилося вирішувати найскладніші мальовничі завдання. У фільмі все побудовано на віртуозною розробці тональних відносин, на багатстві поєднань кольорів. У 1878 року «Українська ніч «було показано на Всесвітній виставці у Парижі. «Куїнджі, — писала французька критика, — безперечно найцікавіший між молодими російськими живописцями. Оригінальна національність відчувається в нього ще більше, ніж в інших » .

.

В 1879 року художник пише три пейзажу: «Північ », «Після грози », «Березова гай «(всі у ГТГ). Різні за мотивами, вони об'єднані великим поетичним почуттям. Картина «Північ «продовжувала серію північних пейзажів, розпочатих «Ладозьким озером ». У ньому Куїнджі відійшов від зображення певного куточка природи. Його полотно — узагальнений поетичний образ Півночі, створений уявою художника підсумок роздумів, роздумів про величної і суворої природі. Картина «Північ «завершувала трилогію, задуману ще 1872 року, і було останній з цієї серії. На довгі роки потім Куїнджі віддає свої талант оспівуванню природи південної та середньої смуги Росії. Повний життя, руху, відчуття свіжості обмитої дощем природи пейзаж «Після грози ». Але найбільший успіхом виставці випав частку картини «Березова гай ». Натовпи людей годинами простоювали у цього полотна. Здавалося, ніби саме сонце проникло до приміщення виставкового залу, висвітлюючи зелену галявину, граючи на білих стовбурах беріз, на гілках могутніх дерев. Працюючи над картиною, Куїнджі шукав передусім найбільш виразну композицію. Від ескізу до ескізу уточнювалися розташування дерев, розміри галявини. У остаточному варіанті нічого немає випадкового, «списаного «з натури. Передній план повантажений у тінь — так підкреслюється звучність, насиченість сонцем зеленої галявини. Художник зумів, уникнувши театральності, створити декоративну картину у кращому цього слова. Куїнджі з великою натхненням оспівує у ній красу та поезію природи, сліпучу яскравість сонячних променів, несучих радість людям.

В 1880 року у Петербурзі на Великий Морський (нині вул. Герцена) було відкрито надзвичайна виставка: демонструвалася одна картина — «Місячна ніч на Дніпрі «(ГРМ). Викликала вона бурю захоплення. Біля входу на виставку стояв величезний очередь.

Мастерство Куїнджі у передачі місячного світла — результат величезної роботи художника, тривалих пошуків. Його майстерня була лабораторією дослідника. Він багато експериментував, вивчав закони дії додаткових квітів, відшукуючи вірний тон, звіряв його з колірними відносинами у самій природі. Затятим, наполегливою працею сягав Куїнджі віртуозного володіння кольором, тієї композиційною простоти, які відрізняють найкращі работы.

В 1881 року художник створив картину «Дніпро вранці «(ГТГ). У неї гри світла, яскравою декоративності, вона приваблює спокійній величавістю, внутрішньої міццю, могутній силою природи. Дивно тонке поєднання чистих золотисто-розовых, бузкових, сріблястих і зеленовато-серых тонів дозволяє передати зачарування квітучих трав, нескінченних далечіней, раннього степового ранку. Виставка 1882 року була останньої митця. Настали довгі роки мовчання. Друзі не розуміли причин, хвилювалися. Куїнджі ж сам пояснював так: » …Художнику треба виступати на виставках, поки в нього, як в співака, голос є. Та щойно голос спаде треба йти, не показуватися, ніж осміяли. Ось мені став Архипом Івановичем, усіх відомих, ну це добре, і потім побачив, що більше так і не зможу зробити, що голос став начебто спадати. Отут скажуть: був Куїнджі, і стало Куїнджі! Отож ж ми хочу так, а щоб назавжди залишився один Куїнджі «.

По порівнянню з десятиліттям активної участі на виставках, за інші тридцять років Куїнджі зробив порівняно трохи. За спогадами друзів митця у початку 1900;х років Куїнджі я запросив їх у майстерню і показав картини «Вечір в Україні «, «Христос в Гефсиманському саду », «Дніпро «і «Березова гай », якими вони були вражені. Але Куїнджі був незадоволений цими роботами й на виставку їх представил.

" Нічне «— одна з останніх творів примушує згадати кращі картини Куїнджі часу розквіту його таланту. У ньому також відчувається поетичне ставлення до природі, прагнення оспівати її величну і урочисту красоту.

В 1897 року за студентському страйку Куїнджі уклали на 2 дні під домашній арешт і усунуто від професорства. Не працювати з учнями художник було. Він продовжував давати приватні уроки, допомагав готувати конкурсні работы.

11 липня 1910 року Архип Іванович Куїнджі умер.

Своим щирим і натхненним творчістю він прославив російське мистецтво вніс найцінніший внесок у його сокровищницу.

ИСААК ІЛЛІЧ ЛЕВИТАН

(1960;1900).

.

Родился Ісаак Ілліч Левітан у серпні 1860 року у невеличкому литовському містечку Кибартай. Майже ні даних про дитинстві художника. Вона ніколи не згадував про своє минулому, а незадовго на смерть знищив свій архів, листи рідних і близьких. У його паперах знайшли пачку листів, у яких рукою Левітана було написане: «Спалити, не читаючи ». Воля померлого була виконана. Але спогади людей, близько, знали Левітана, дають можливість відновити основні факти біографії художника.

Отец Левітана був дрібним службовцям. Оселившись із сім'єю Москві, він намагався дати синам хорошу освіту. Мабуть, у виборі життєвого шляху Ісаака Левітана на вирішальній ролі зіграв його старшого брата — художник. Він часто брав хлопчика з собою на етюди, на художні виставки. Коли Ісааку виповнилося 13 років, він було ухвалено число учнів училища живопису, ліплення і зодчества.

Учителями Левітана були Олексій Саврасов і Василь Полєнов. «Левитану давалося все легко, — згадував його товариш, відомий тогочасний російський живописець Михайло Нестеров, — тим щонайменше, працював уперто, з великою витримкою. Якось вдирався до нас в натурний клас» і написав необов’язковий для пейзажистов етюд голого тіла, написав цілком по-своєму, вдвічі-втричі дня, хоча це покладався місяць. Взагалі Левітан працював швидко, скоро опановуючи то, на що інші витрачали чимало усилий.

В числі передвижників, запрошених до Академії, було два пейзажистов — Шишкін і Куїнджі. Саме той час починалося, а мистецтві гегемонія пейзажу як і самостійного жанру, де панував Левітан, як і рівноправного елемента побутової, історичної, почасти й портретної живопису. Всупереч прогнозам Стасова, який вважає, що роль пейзажу зменшуватиметься, вона у 90-ті роки зросла, як ніколи. Переважав ліричний «пейзаж настрої «, провідний свій родовід від Саврасова і Поленова.

Одна з найбільших сторінок біографії Левітана — його дружба з А. П. Чеховим. Чехов і Левітан — ровесники. Долі їх схожі. Обидва приїхали до Москви з провинции.

С Антоном Павловичем Чеховим у Левітана встановилися своєрідні відносини. Вони завжди поддразнивали одне одного, а ті деякі висловлювання і автора листа, які дійшли до нас, свідчать, що Левітан відкривав свою душу лише Чехову.

Константин Паустовський знаходив у творчості Чехова і Левітана багато спільного. «Картини Левітана, — писав Паустовський, — вимагають повільного розглядання. Не приголомшують очей. Вони скромні, і точні, подібно чехівським розповідям, та що довше вдивляєшся у яких, то миліші стає тиша провінційних посадів, знайомих рік і путівців » .

.

Картину «Осінній день. Сокольники «Левітан написав у 1879 року, у неї одна з його робіт. Картина експонувалася на московської на виставці й була куплена П. М. Третьяковим щодо його галереї. На той час Левітан навчався у Московському училище живопису, ліплення і зодчества. Він мав лише 19 років, але художник вже мав багатий життєвий опыт.

Летом 1890 року Левітан їде під Юр'євець серед численних пейзажів і етюдів пише вид Кривоозерского монастиря. Так народжується задум однією з найкращих картин художника «Тиха обитель », де образ тихою обителі і мостков через річку, що з'єднували її навколишнім світом, висловлювали глибокі роздуми художника про життя. Відомо, що ця картина буде справила моє найбільше враження на Чехова.

Левитан не населяв свій пейзажі людьми. Досить, що постать жінки у картині «Осінній день. Сокольники «написав Микола Чехов, брат письменника. І тим щонайменше картини Левітана щонайтісніше пов’язані з переживаннями людини, вони впливають на почуття людей. Він зрозуміти природу — означало передати самі свій потаємні думки, роздуми про місце людини у світобудові, про його складних та суперечливих стосунки з оточуючим миром.

.

Картину «Владимирка «1894 року Левітан приніс у дарунок П. Н. Третьякову для галереї. Владимирка — це велика дорога Владимировской губернії. У одному з спогаді про Левитане читаємо: «якось, повертаючись із полювання, ми з Левітаном вийшли на старе Володимирське шосе. Картина була сповнена дивовижною тихою принадністю… аж раптом Левітан згадав, що за дорога… «постійте. Та це ж Владимирка, той самий Владимирка, через яку колись, дзвякаючи кайданами, відбулися Сибір стільки нещасного люду… ». І на тиші поетичної картини стала відчувається нам глибока затаєна смуток » .

Последнее десятиліття життя Левітана було надто плідним. У пейзажах «У вирах », «Вечірній дзенькіт », «Над вічним спокоєм », «Березень », «Золота осінь », «Велика дорога », «Сутінки. Копиці «, «Літній вечір », «Озеро, Русь «було використано роздуми художника про сенсі жизни.

Левитан написав на Волзі безліч картин, зобразивши і «Похмурий день «і «Після дощу. Плесо «і «Вечір на Волзі «, але, то, можливо, найяскравіший образ вейкой російської річки зображений на полотні «Свіжий вітер ». Сліпучо білі кораблі, синя вода, яскраві сонячні відблиски, величезні баржі з товарами — усе це створює радісне враження руху, життя, наповненій і смыслом.

Личная життя художника категорично не склалася. В нього був сім'ї, дітей. Хто знає, може бути, єдина сильна почуття у нього було до Марії Павловне.

У Чехова в Криму Левітан зустрів новий 1900 рік, останній рік свого життя. Два тижні провів Левітан з Чеховим, розповідав письменнику то задумах, про намір ще не написаних картинах про своє учениках.

Еще 1898-го року Левітан почав викладати у той самий училище, у якому навчався сам. Він мріяв створити Будинок пейзажів — велику майстерню, у якій міг би працювати всі росіяни пейзажисты. Одне з учнів Левітана згадував: «Вплив Левітана на нас, учнів, було досить велике. Це зумовлювалося як його авторитетом як митця, а й тим, що Левітан був різнобічно освіченим людиною… Левітан вмів до кожного людей підійти творчо, митець, під його коректурою етюд, картини оживали, щоразу по-новому, як оживали на виставках у власних картинах куточки рідний природи, перед ним ніким не помічені, не відкриті «.

.

Когда відкрилася пейзажна майстерня, майже половину великий кімнати було відведено під куточок лісу, у якому їли, невеликі дерева з жовтими листям, зелений мох, дерен, діжки із папоротями. Левітан було дуже уважний до своїх учням. Від його пильного погляду нічого не міг приховати. Він чудово бачив, що одному важко знайти форму, а інший наслідує визнаним авторитетів. Інколи Левітан помічав, що його учні матеріально потребують, і хочуть негайно надавав їм допомогу. Допомагав він дуже тактовно, не ображаючи. Влітку учні Левітана виїжджали на етюди. І так було і позаминулого літа 1900 року. Учні Левітана оселилися в Хімках. Вони чекали свого вчителя і написали йому жартівливе лист, у якому повідомляли, ніби між іншим, що вони гайворони, чиї гнізда чорніли на деревах біля дачі, скучили і весь час кричать: «Де Левітан, де Ісаак Ілліч? «У листи-відповіді Левітан, завжди цінував жарт, писав: «Передайте грачам, що тільки встану — приїду. Якщо ж дуже набридати, полякайте: як приїде, а й рушницю привезе » .

Но Левітан не встав. «Як Левітан? Мене страшенно мучить невідомість. Коли що чули, то напишіть, будь ласка » , — запитував Чехов дістатися 0. Л. Книппер. Тривога Чехова була марною. 22 липня (4 серпня) 1900 року Левітан умер.

Свою останню велику картину художник назвав «Озеро, Русь ». Широка гладь води відбиває хмари, освітлені сонцем. На далекому березі, наскільки бачить очей, поля, села, бані церков. Усе картині - сонце, вітер, несущиеся хмари — пронизане відчуттям щастя. Важко повірити, що це полотно писав умираючий художник. Здавалося, він хотів сказати: «Це Русь, щаслива, вільна, яким він може бути буде. Не бідність, не смиренність і страждання доля Росії, вона вся — у майбутньому » .

Левитан зустрів широке зізнання у суспільстві. Його элегичность було співзвучне переважним настроям російської інтелігенції, а його баченні природи щасливо поєднувалися об'єктивне і особисте, традиційність і новизна. Молодший сучасник Левітана, У. Борисов-Мусатов, ще більше элегичен, але й більш відокремлений у своїй ладі меланхолійних переживань: його полотна вимагає від глядача виборчої психологічної сумісності з художником. Лірика Левітана масштабнішою, тому зрозуміліше. Подібно своїм вчителям Саврасову і Поленову, він був ліриком суб'єктивного типу, хоча елемент «особистого «в нього сильніше. У його мистецтві є та витончена нервовість, яке характерне для душевного складу «дітей рубежу », але з тим вона викликає загальнозначущі асоціації, зникаючими походить з пам’ятати історію та поезію народу. Чи писав він Волгу — це була розлога ріка російських пісень. Писав Володимирську дорогу — у ній дізнавалася, за зовнішнім прикметах, а, по настрою, дорога засланців, широкий тужливий тракт, де «колодників дзвінкі ланцюга взметают дорожню пил ». Писав «У виру «- згадувалися перекази про утопленницах. А який рій спогадів будять у кожного, хто хоч колись відчував зачарування російської весни, «Березень «чи «Велика вода », зі своїми блакитними дзенькотами, фізично відчутним теплом сонця і свіжістю останнього снігу, з цим осоловевшей сонцем покірної конячкою і з тими тонкими березою в повінь. Пленер, — так, звісно, тут хоч греблю гати пленеру, але не всі мальовничі категорії «вмирають «в незаперечному почутті батьківщини, рідних мест.

Левитан прожив всього років. Він був порывисто-неуравновешенным людиною, легко ранимим, схильним до приступам туги, доводившим його спроб самогубства. Разом із тим він вмів радіти й по-справжньому насолоджуватися життям. Контрастність його душевних станів позначалася на виборі і трактуванні станів природи: він показував російську природу широтою діапазону, від похмурого мінору до ясною святковості. Воля на радість спалахнула в нього особливо останні роки, коли він був хворий котрі й невиліковно. У щоденнику Чехова є лаконічна запис, позначений груднем 1896 року: «У Левітана розширення аорти. Має на грудях глину. Чудові етюди і жагуча жага життя ». Тоді ж, носячи на грудях глину, Левітан написав самі мажорні свої речі - «Березень », «Озеро в сонячного дня », «Золоту осінь ». І вже у рік смерті, який із останнім роком століття, — «Літній вечір ». Невелика за розміром та дуже проста по мотивацію (доріжка, околиця і ліс на обрії), ця картина написана із чудовою живописної свободою, широкими мазками, побудовано відносинах небагатьох тонів, холодних і теплих. Але, як відомо, техніку у Левітана не помічаєш. Ви почуваєтеся мирним подорожанином, що йде з тіні назустріч західному світу через позолочені їм ворота околиці. І справді, здається, що «там, де була вечірня зоря, спочивало відбиток чогось неземного, вічного ». Чехов як вгадав настрій прощальній картини Левитана.

Художественное спадщина Ісаака Левітана величезна, мальовничі полотна, акварелі, пастелі, графіка, иллюстрации.

ИЛЬЯ ЮХИМОВИЧ РЕПИН

(1844−1930).

.

Репин Ілля Юхимович [24.7(5.8).1844, Чугуїв, нині Харківської області, — 29.9.1930, Куоккала, Фінляндія, Репино Ленінградській області за], російський живописець. Народився у ній військового поселенця. Навчався у Петербурзі Малювальної школі Товариства заохочення художників (кінець 1863) у Р. К. Жуковского і И. Н. Крамского й у петербурзької АХ [1864−71, в 1873−76 пенсіонер (стипендіат) Італії і Франції]. Член Товариства пересувних художніх виставок. Справжній член петербурзької АХ (1893). Протягом років навчання Рєпін зблизився з справили нею великий вплив И. Н. Крамским та інші членами Артілі художників, ні з В. В. Стасовым, ознайомившись із естетикою революційних демократів, він став убеждённым її прибічником. У 1860-е рр. Рєпін працює над навчальними академічними творами і водночас, поза стінами АХ, — над портретами, жанровими малюнками й малюнками. У деяких академічних творах на міфологічні і здійснювати релігійні сюжети йому вдалося домогтися життєвості образів, виразної психологічної характеристики дійових осіб («Воскресіння дочки Иаира », 1871, Російський музей, Санкт-Петербург). Одарённость, спостережливість і жагучий темперамент художника, вміння використовувати позу, жест моделі його образною характеристики чітко проявилися вже у його ранніх портретах (портрети В. Е. Репина, 1867, Третьяковская галерея., Р. Д. Хлобощина, 1868, і В. А. Шевцовой, 1869, — обоє працюють у Російському музеї). Тоді ж Рєпін створив великий груповий портрет «Слов'янські композитори «(1871−72, Московська консерваторія), куди, домагаючись, природності угруповання дійових осіб, і запровадив жанрові элементы.

С початку 70-х рр. Рєпін постає як художник-демократ, він відстоює принципи народності художньої творчості, бореться проти далекого від життя академічного мистецтва. Після поїздок на Волгу, де Рєпін спостерігав життя бурлак, і тривалої роботи над етюдами Рєпін дійшов її глибокому і яскравому тлумачення у картині «Бурлаки на Волзі «(1870−73, Російський музей). Картина викриває експлуатацію народу разом із тим стверджує приховану у ньому собі силу й визріваючий протест. Рєпін передав індивідуальні неповторні риси змучених важкій роботою героїв картини, наділених великий духовної красою. Ця робота Рєпін стала новим явищем у російській живопису: жанрове твір набуло монументальний характер, ставши узагальнюючим зображенням сучасного життя, як яке розкриває протиріччя дійсності, а й яка стверджує позитивну силу суспільства — народ, пластична могутність і вплив широта живопису картини був у той час новаторством. За років перебування Італії і Франції Рєпін ознайомився з мистецтвом Західної Європи. Найбільш значна жанрова картина цих років «Паризька кав’ярня «(1874−75, збори Монсона, Стокгольм) свідчить про спостережливості художника, передає окремі характерні риси паризького життя. У Франції Рєпін написав картину «Садко в підводному царстві «(1876, Російський музей), втіливши у ній свої думи про батьківщину.

.

Более вдалі пейзажі цього періоду, які з’явилися важливим поступом в оволодінні Рєпін пленерного живописом («Кінь для збору каміння на Вёле », 1874, Саратовський художньому музеї їм. А. Н. Радищева, «На Монмартр в Парижі «, 1876, Третьяковская галерея). Повернувшись з-за кордону, Рєпін їде під Чугуїв, бажаючи спілкування з народом знайти теми і образи нових творів. Тут ним написані портрети селян, відмінні разючою силою типізації («Мужик з поганим оком », Третьяковская галерея, «Мужичок з боязких », Горьковський художньому музеї, — обидва 1877), в портреті протодьякона (1877, Третьяковская галерея) Рєпін зобразив владного, виконаного грубої сили людини. Наприкінці 1870 — початку 1880-х рр. Рєпін, спочатку у Чугуєві, потім у Москві, захоплено працював над селянської темою («Проводи новобранця », 1879, Російський музей, «Вечорницi », 1881, Третьяковская галерея), у деяких ескізах і картинах розкриваючи соціальні протиріччя пореформеній села («У волосному правлінні «, 1877, Російський музей). Ці твори підготували Рєпін до створенню такого полотна, у якому має була розкритися життя сучасної Росії і близько народна тема одержала широке узагальнена рішення. Пореформенную Росію, складність існували у ній соціальних відносин, розмаїття її життя Рєпіна вдалося показати у картині «Хрещений хід» у Курській губернії «(1880−83, Третьяковская галерея). Зобразивши велелюдне хід, у якому беруть участь поміщиця, відставний військовий, відкупник, священики, злиденні, мандрівники і величезний натовп народу, яка народжує враження неозорої стихійної сили, Рєпін дав на картині яскраві характеристики дійових осіб. Це твір Рєпіна стало цілої поемою про бідність і забитості народу, про його жадобі кращої долі, про пихатих в барах і інших «господарів «села. Вона була бичующим викриттям мерзот яка була ладу синапси і уславленням народу, пригнобленого і обманутого, але великого і могутнього. У суворо продуманої композиції картини, у її живопису проявилося високу майстерність Рєпіна, що передав световоздушную середу, яскраве сонячне висвітлення, здобуло надзвичайної життєвості сцены.

С 1882 Рєпін жив у Петербурзі. Кінець 1870-х — 1880-е рр. найбільш плідний час у творчості художника. Поява на виставках його кращих картин, пройнятих ідеями звільнення народу, боротьби з самодержавним строєм, було подією мистецького середовища і життя Росії. У 1880-х рр. Рєпін багато над темою революційного руху. Співчуваючи революціонерам, вбачаючи у них героїв боротьби за народне щастя, Рєпін створив цілу галерею позитивних образів, яскраво і правдиво вклавши і сила, і слабкість разночинского революційно-демократичного руху («Відмова від сповіді «, 1879−85, «Арешт пропагандиста », 1880−92, «Не чекали », 1884−88, — все в Третьяковській галереї). У центральному творі циклу — «Не чекали «- зображено сцена повернення засланця додому. У образі революціонера звучить трагічна тема важкої долі героя. Рєпін показав глядачеві складну гаму переживань членів сім'ї, зустрічаючих батька, сина, чоловіка. Композиційне побудова картини з його чіткістю, яка потрібна на монументального полотна, зумовлено психологічними взаємовідносинами героїв, картина напоєна повітрям і світлом, передачі яких Рєпін користується чистими і світлими квітами, складовими єдину колірну гаму. Зображуючи героїчне і високе у житті рядових людей, Рєпін надавав побутовому жанру то високе значення, що раніше мала історична живопис. У 1870−80-е рр. Рєпін створює і кращі портрети. Вони проявилися його демократизм, його любов до людини, глибокого психологізму. У грандіозної портретної галереї, створеної Рєпіним, як й у жанрових картинах, розкрилися суттєві риси російського життя — настільки яскраві у соціальному плані так багато говорять про свою епоху ці портрети [В.В.Стасова (1873), А. Ф. Писемского (1880), М. П. Мусоргского (1881), Н. И. Пирогова (1881), П. А. Стрепетовой (1882), А. И. Дельвига (1882), Л. Н. Толстого (1887) — всі у Третьяковській галереї, В. В. Стасова (1883), Російський музей]. Високого майстерності сягає Рєпін у 80-ті рр. й у графіці, зокрема у портретному малюнку, графічна манера Рєпіна до цьому часу стає вільної, здатної передавати натуру в усьому різноманітті та красі (малюнок «Дівчинка Ада », 1882, Третьяковская галерея, і «Невський проспект », 1887, Російський музей, — обидва олівець). У 1880−1900;е рр. Рєпін багато працює над иллюстрациями.

.

Репин був також видатним художником у сфері історичної живопису. Його інтерес до минулому визначався питаннями, поднимавшимися сучасністю. Рєпіна залучали сильні натури, долі яких пов’язані з значними історичними зрушеннями, залучали психологічні і драматичні завдання («Царівна Софія », 1879, Третьяковская галерея). Картина «Іван Грізний і син його Іван «(1885, Третьяковская галерея), вражаюча силою переданих ній пристрастей і експресією їх висловлювання, пролунала як викриття деспотизма.

Последним значним історичним твором Рєпіна була картина «Запорожці пишуть листа турецькому султанові «(1878−91, Російський музей), головним героєм якої став волелюбний народ, мужньо який відстоював наукові інтереси. У 1890-е рр. Рєпін, переживаючи відомий творча криза, тимчасово порвав із передвижниками. У його статтях і листах прослизають думки, дозволяли сучасникам вважати Рєпіна відступником від ідей демократичної естетики, але кінцю 90-х рр. Рєпін повернувся на колишні позиції. У пізній період при окремих удачах, Рєпін не створив картин рівних творам 1870−80-х рр. Найкращі твори 1890−1900;х рр. — це графічні портрети, зазвичай зображення людей виразним творчим, артистичним початком (портрет Э. Дузе, вугілля, 1891, Третьяковская галерея), і навіть вражаючі гостротою соціальних характеристик і мальовничим лаконізмом портреты-этюды до монументальної групового портрета «Урочисте засідання Державної Ради «(виконано що з художником Б. М. Кустодиевым і И. С. Куликовым, 1901;03, Російський музей). Глибоко народне, тісно що з передовими ідеями своєї епохи, творчість Рєпіна — одне з вершин російського демократичного мистецтва. У 1894−1907 Рєпін викладав у АХ (в 1898−99 — ректор), ставши учителем И. И. Бродского, И. Э. Грабаря, Д. Н. Кардовского, Б. М. Кустодиева і багатьох ін. Після 1917 Рєпін, котрий у садибі «Пенати «в Куоккале (з 1899), виявився там. (Куоккала до 1940 належала Фінляндії.) Живучи у Фінляндії, Рєпін не поривав зв’язку з Батьківщиною, мріяв повернутися до СРСР. У «Пенатах », де зараз його помер і, 1940;го відкрили меморіальний музей. Меморіальний музей Рєпіна є у Чугуєві. У 1958 у Москві відкритий пам’ятник Рєпіна (бронза, граніт, скульптор М. Г. Манизер, архітектор И.Е.Рожин).

ВАСИЛИЙ ІВАНОВИЧ СУРИКОВ

(1848−1918).

.

Василий Іванович Суриков народився сибірському містечку Красноярську 12 січня 1848 року у козацької сім'ї. З Єрмаком прийшли з Дону пращури за лінією, від що їх успадкував гордий, вільнолюбний характер. Мати також була з старовинної козацької сім'ї Торгошиных. Петро Миколайович і Ілля Суриковы, як і Василь Торгошин, згадуються серед учасників Красноярського бунту 1695—1698 років. Суриков пишався своїм походженням і писав звідси: «З усіх боків я природний козак… Моє козацтво більш, ніж 200-летнее ». Не залишилася для нього безслідної й мистецьку обдарованість батьків. Батько його, жагучий любитель музики, чудово опановував гітарі і вважався найкращим співаком Красноярська, мати, прекрасна вишивальниця, мала уродженим художнім смаком. Джерелом формування понять Сурікова про красу була Сибір, з суворістю, часом жорстокістю моралі, з мужністю людей, заповзятістю народних ігор, з «древньої російської красою «дівочих осіб, з величної природою, живим диханням истории.

Чтобы підтримати сім'ю після смерті батька, Суриков змушений служити канцелярським переписувачем. Доводиться, згадував він пізніше, «яйця великодні малювати по три рубля більше сотні «, одного разу він виконав на замовлення ікону «Богородичні свята » .

Рисунки Сурікова привернули увагу красноярського губернатора П. Н. Замятина, і той клопотався перед Радою Академії про зарахування Сурікова учнем. З Петербурга прийшла позитивна відгук роботи, але із застереженням, що стипендія призначена нічого очікувати. Допоміг багатий золотопромисловець П. И. Кузнецов, любитель мистецтва і колекціонер, який взяв він утримання молодого художника. У грудня 1868 року з обозом Кузнєцова Суриков пішов у дорогу, що тривала 2 місяці. До іспитів у Академію Суриков виявився недостатньо підготовленим. Він вступив до школи Товариства заохочення мистецтв до М. В. Дьяконову і поза три літні місяці освоїв трирічний курс. 28 серпня 1869 року Суриков успішно здав вступні іспити у академію мистецтв, його прийняли вільним слухачем і якого зарахували до головний клас. Восени наступного вона вже працює над першим самостійним твором «Вигляд пам’ятника Петру I на Сенатській площі Петербурзі «(1870, ГРМ).

Учился Суриков в Академії успішно, брав від занять все возможное.

Блестящие досягнення молодого живописця був у композиції, недарма товариші називали його «композитором » .

Большой золоту медаль, дає декларація про закордонне відрядження, не отримав. Суриков закінчує Академію у званні класного художника І ступеня. Коли півроку він «як виняток «отримав можливість поїхати зарубіжних країн, то попросив замість цього дозволити їй виконати замовлення по розписи московського храму Христа Спасителя. Підготовчі роботи Суриков виконував у Петербурзі, лише уточнюючи та в Москві необхідні детали.

С червня 1877 року художник остаточно переїхав до Москви, зробивши протягом два роки фрески, що зображують чотири Вселенських собору. Більше Суриков ніколи на замовлення не писал.

В 1878 року Суриков одружився з Єлизаветі Августовне Шарэ, онучці декабриста П. П. Свистунова. Щаслива сімейне життя і относитсль-ная матеріальна забезпеченість дозволили художнику «розпочати своє «— звернутися до образам російської історії. «Приїхавши у Москві, потрапив у центр російській народній життя, відразу став на шлях » , — згадував он.

Казалось, заговорили самі стіни древнього міста, яких запитував художник. У його уяві вставали образи минулого року, виникав задум картини, яка представлялася йому «приголомшливою ». «Ранок стрілецької страти «(1878—1881, ГТГ) справді вражає. Не жахами смерті, а міццю характерів, трагедійністю однієї з переломних етапів російської історії. «Урочистість останніх хвилин я хотів передати, а не страту » , — пише Суриков звідси полотні. Стрільці, на смерть, сповнені достоинства.

Архитектурный пейзаж з Василем Блаженним, який Сурикову «кривавим здавався », не просто історичне тло, він композиційно пов’язане з рухом маси. «Урочистість останніх хвилин «художник передає у гордої красі російських людей, а й у тієї живописної палітрі, яка увібрала в себе тону світанкової неба, кольору одягу і куполів собору, узорочье дуг на возах і навіть блискотіння ободів коліс. Вже у цьому картині проявилися чудові гідності Сурікова — колориста, мальовничі пошуки якого визначалися думками і почуттями, які володіли художником. «Коли їх задумав, — писав Суриков, — в мене обличчя відразу і виникли. І колірна фарба разом із композицією, я адже живу від самої полотна, з нього всі виникає «.

Картина безпосередньо в виставці було куплено П. М. Третьяковым. Якщо «Стрельцах «показано трагедія маси, що складається з доль окремих осіб, то картині «Меншиков в Березове «(1883, ГТГ) Суриков сконцентрував увагу до одному сильному характері, у власній драмі якого було відзвук трагедії Росії. Хоч би яким суто побутовим епізодом був би підказаний Сурикову «вузол «дії його майбутньої картини, створений ній образ набуває історичну значимость…

Низкая хата, освітлена неяскравим світлом свічки, крихітний слюдяне віконце покрито вигадливими морозними візерунками. Величезною фігурі Меншикова тісно під цими низькими стелями, у цій избенке. Цьому сильному і владному людині звичні інших масштабів життя. З Меншиковим троє його дітей. Усі повинні були стати вершителями честолюбних задумів батька. Мали… Ситуація драматична. І талант Сурікова допоміг вловити у ній вроду й тонкість прояви людських почуттів, передати в образі героїв картини і колористическом строе.

.

… Перший ескіз «Боярині Морозової «виник 1881 року, безпосередньо до роботі над картиною Суриков приступив через три роки, написавши «Меншикова в Березове «і побувавши по закордонах. Цього разу Суриков звернувся безпосередньо до образу сподвижниці протопопа Авакума — Ф. П. Морозовой. І потім знову трагічна доля сильної посухи й жагучої натури митця невіддільні від доль народу, який не хотів никоновским церковним реформам. «Не розумію дій окремих історичних осіб без народу, без натовпу, — писав Суриков, — мені треба витягти їх у вулицю ». У цьому «натовп «в нього не безлика, а складається із найяскравіших индивидуальностей.

Суриков хотів показати, як Морозова викликає у людях різні почуття, одночасно будучи осередком цих чувств.

Поражает сила емоційного впливу всіх компонентів полотна: форми, кольору, лінійної композиції. Картина національна як за сюжетикою, висхідному до подій XVII століття, а й у типажу, архітектурі, характерним зимовим пейзажу, по трактуванні кольору, звучна ясна сила якого на кшталт світлому світосприйманню російського народу. Суриков зумів висловити в чудової живопису «Боярині Морозової «(1887,ГТГ) душевну стійкість, самовідданість, красу російських людей.

.

Вняв радам рідних, Суриков разом із дочками їде під Сибір, в Красноярськ. У картині «Взяття снігової містечка «(1891, ГРМ), що з’явилася після трьох історичних полотен, помітні прямі витоки величезного життєлюбства художника, яка допомогла перемогти горі Ай-Петрі і негаразди. Цим життєлюбством В. И. Суриков наділяв катастрофи та героїв своїх произведений.

В 1891 року Суриков повертається до Москви. «Надзвичайну силу духу з Сибіру привіз » , — зазначає він. Художник приймається до праці над новим полотном «Підкорення Сибіру Єрмаком «(1895, ГРМ).

" Головне в картине—движение, — говорив художник,—храбрость беззавітна — покірні слову полководця йдуть ". Пейзаж картини: минущі вгору вершини гір, обкутані пеленою хмар, то темні, то блискучі холодним блакитнуватим блиском — дозволяє глядачеві гостріше відчути труднощі переходу, відчути значущість подвигу суворовських чудо-богатырей.

Несколько років Суриков над своїм останнім великим полотном «Степан Разін «(1907—1910, ГРМ). Картина давалася йому нелегко, і художник повертався до неї вже по тому, як робота було показано глядачам.

Картина вражає відчуттям привілля. Вона гарна перламутровими перебігами фарб, повітрям, пронизаним сонячним промінням, загальної поетичністю. Краси природи хіба що підкреслюється важка дума отамана, як яка відокремлює його від хмільного веселощів козаків.

Очевидно, метою Сурікова було передати внутрішній стан цього сильного бунтівного характеру. Це засвідчують та її слова, сказані художнику Я. Д. Минченкову: «Сьогодні лоб писав Степану, щоправда набагато більше думи у ньому? «.

Последний створений Суриковым історичний образ — образ Пугачова, зберігся ескіз 1911 року, який зображає ватажка селянського повстання укладеної клітину…

В 1912 року на виставці Союзу російських художників експонувалася картина Сурікова «Відвідання царівною жіночого монастиря «(ГТГ). Історико-побутовий характер цього полотна зближує його з цими ж роботами А. Рябушкина і С.Иванова.

Значительно мистецтво Сурикова-портретиста. Насамперед — це прекрасні етюди до історичним полотнинам і «Сніговій містечку ». Глибоко розкрито характери в «Портреті доктора А. Д. Езерского «(1911, приватне збори), «Портреті людини із хворою рукою «(1913, ГРМ), «Автопортретах «(1913, ГТГ, 1915, ГРМ), на диво вродливі жіночі образи сто портретних произведениях.

Умер Суриков 6 березня 1916 року і поруч із дружиною у Москві, на Ваганьковском кладбище.

ВАЛЕНТИН ОЛЕКСАНДРОВИЧ СЕРОВ

(1865−1911).

.

Серов Валентине Олександровичу (1865, Петербург — 1911, Москва) — художник. Народився сім'ї композитора й музичного критика О.Н. Сєрова. Рано проявивши художні здібності, з 1871 Сєров брав уроки живопису у Мюнхені у До. Кеппинга, потім И.Е. Рєпіна у Парижі й у Москві. Рєпін ввів Сєрова в Абрамцевский гурток у маєтку З. І. Мамонтова, багато в чому що вплинуло на молодого художника. Заняття у різних гімназіях доповнювалися серйозної підготовкою до вступу в академію мистецтв, студентом до-рій Сєров став у 1882. Навчався переважно у В. П. Чистякова, але курсу не закінчив, залишивши академію мистецтв в 1885, завершивши художню освіту в музеях Голландії й Італії, котрі справили на нього величезний вплив.

Начав свій шлях як передвижник, Сєров породжувався натуралізму до умовності художнього мови, віддавши данина імпресіонізму, «Світу мистецтва », стилю «Модерн », та значною мірою визначив мистецьке обличчя свого часу. Сєров став широковідомий як живописець, рисувальник, ілюстратор, театральний художник. Від ранніх робіт — «Дівчинка з персиками «(1887), «Дівчина, освещенная. солнцем «(1888), нібито витканих з сонця і повітря, — Сєров перейшов до психологічним, виразним портретів «К.А. Коровіна «(1894), «Миколи II «(1900), «К. П. Победоносцева «(1902), «С.Ю. Вітте «(1904), «Ф.И. Шаляпіна «(1905) та інших., історичним композиціям «Виїзд Петра II і цесарівни Єлизавети Петрівни на полювання «(1900), «Петро 1 «(1907) та інших., ілюстрацій до байкам І.А. Крилова та інших. У 1895 — 1897 викладала Моск. уч-ще живопису, ліплення і зодчества. У 1903 був обраний дійсним членом Академії мистецтв, к-рую залишив 1905 з протесту проти проти розстрілу людей 9 січня. 1905. Брав участь у створенні сатиричного журн. «Жупел », в до-ром малював політ, карикатури. У останні місяці життя Сєров прагнув реалізувати свої пошуки у сфері монументальнодекоративного живопису. У 1914 було організовано посмертна виставка Шевченкових творінь, оказавшая значний вплив на современников.

В. А. Сєров народився Петербурзі 7 січня 1865 року відомого композитора А. М. Сєрова. З дитинства майбутнього художника оточувала атмосфера мистецтва. Крім музикантів, у їхньому будинку бували М. М. Антокольський, І. Є. Рєпін. До того ж сам батько майбутнього художника був пристрасним любителем малювання. Мало яка спостережливість і до малювання прокинулись у хлопчика рано, а умови, у яких ріс, сприяли розвитку обдарування. Спочатку він учився в німецького художника-офортиста А. Кемпінгу, потім його учителем став І. Є. Рєпін, якому, за порадою М. М. Антокольського, У. З. Сєрова показувала малюнки сына.

И. Є. Рєпін починає працювати з юним Сєровим спочатку у Парижі, потім у Москві й у Абрамцеве. Після поїздки зі своїми талановитим учнем до Запоріжжя Рєпін в 1880 року спрямовує їх у академію мистецтв до славнозвісному П. П. Чистякову.

.

Здесь молода художниця завойовує повагу, його талант викликає захоплення. П. П. Чистяков характеризував Сєрову, що вона зустрічав й інші людині такої міри всебічного художнього розуміння мистецтво, яка відпущена була природою його учневі. «І малюнок, і колорит, і світлотінь, і характерність, і відчуття цілісності свого завдання, і композиція — усе було у Сєрова, і був у ейфорію » .

В Абрамцеве він пише знаменитий портрет дванадцятилітньої Віри Мамонтової «Дівчинка з персиками «(1887, ГТГ), у якому художнику, як він пише, хотілося зберегти «свіжість живопису за цілковитої закінченості, як в старих майстрів ». У Домотканове створили портрет двоюрідної сестри «Дівчина, освітлена сонцем «(1888, ГТГ). Згадуючи цей час, Марія Яківна Симанович писала: «Ми працюємо запоєм, обидва однаково захопилися: він вдалим писанням, а я важливістю свого призначення. Він шукав нового способу передачі на полотно нескінченно різноманітної гри світла, і тіні при свіжості фарб. Так, я просиділа місяці і майже безперервно, окрім ті деякі сеанси, які доводилося відкладати через погану погоду. У ті нещасні пропуски він писав ставок «(«Зарослий ставок. Домотканово », 1888, ГТГ). Обидва портрета наповнені як захопленістю нової технікою живопису, але й особливої одухотвореністю, поетичністю, що відразу виділило молодого митця і створило йому відомим. За картину «Дівчинка з персиками «Сєров отримав премію Московського суспільства любителів мистецтв, а другий портрет відразу ж купив П. М. Третьяков.

В улюбленому Домотканове було створено такі твори, як «Жовтень «(1895, ГТГ), «Стригуны «(1898, ГТГ), «Баба з конем (1898, ГТГ) і багато малюнки до байкам Крылова.

.

В 1887 року Сєров одружився з Ользі Федорівни Трубниковой. Сім'я була велика і дружної. Дітей У. А. Сєров любив ніжно і із задоволенням писав їх. Портрет-картина «Діти «(1899, ГРМ), де зображено сини художника Юра і Олександр, малюнок «Сестри Боткины «(1900, ГТГ), портрет Мікі Морозова (1901, ГТГ) приваблюють ліричністю і тонким розумінням дитячого характера.

Своему другу А. З. Мамонтову Сєров повідомив у 1890 року: «Написав зробив у Костромі два портрета. Зовсім портретчиком стаю ». Тонкий психологізм, вміння побачити їх і показати, «якого духу людина проти нього », роблять Сєрова провідним портретистом Росії. У портретах Сєрова — його сучасники, різні за характеру, внутрішнього світу: темпераментний співак Ф. Таманьо (1891, ГТГ), у якого, по образним висловом художника, «золотий глоткою », життєрадісний друг художника пейзажист До. А. Коровін (1891, ГТГ), одухотворений І. І. Левітан (1893, ГТГ), подчеркнуто-нервный М. G. Лєсков (1894, ГТГ).

Старшая дочка Сєрова у спогадах батька писала, з якою творчим горінням працював художник над портретами.

" І це очі - очі взглядывали швидко, з такою напругою, з такою бажанням побачити і охопити все потрібний їй, що погляд здавався часткою блискавки, як блискавка, він миттєво хіба що висвітлював все до найменших дрібниць " .

В середині 90-х Сєрова в облогу беруть високопоставлені замовники. Після написання портрета Марії Федорівни Морозової (1897, ГРМ), матері архимиллионеров Морозових, і картины-портрета З. М. Боткиной (1899, ГРМ), показаного на Всесвітньої паризькій виставці, почалася нову лінію у творчості художника. Сучасники говорили, що Сєрова нерідко боялися, боялися його прозорливості, непідкупних оцінок, навіть докоряли за те, що він шаржує модель. «Ніколи не шаржировал, — відповідав він, — що робити, якщо шарж саме у самої моделі, чому винен? Я вигледів, помітив » .

В портретах Сєрова — не розбір негативних чи позитивних властивостей людини, а їдка іронія чи дотепність, виражене в блискучої естетичної формі. Цими рисами відрізняються портрети князів Юсупових (1901;1903, ГРМ), яких Сєров починав виписувати у Петербурзі в 1901 року, потім у їх родовий маєток Архангельському під Москвою, портрет приват-доцента Московського університету, мільйонера М. А. Морозова (1902, ГТГ). Особливо відомий портрет банкіра У. Про. Гіршмана (1911, ГТГ), який, за свідченням дочки Сєрова, «все благав прибрати руку, якій він хіба що діставав золоті з кишені «.

Революция 1905 року залишила помітний слід картинах і життя художника. Саме у ці роки сформувався образ Серова-гражданина, гостро усвідомлюючої соціальну несправедливість. У Петербурзі Сєров став очевидцем розстрілу робочих на 5-ї лінії Василівського острови Фіджі і це вразило його… «Він чув постріли, бачив убитих. З того часу його вдачу різко змінився — він став похмурий, різкий, запальний і нетерпимий: особливо дивували усіх її крайні політичні переконання » , — писав про Сєрову Рєпін. У знак протесту він уперше вийшов зі складу дійсних членів Академії мистецтв. У день звільнення політичних ув’язнених Сєров знаходився біля Таганської в’язниці, був у Університеті, де будувалися барикади, і похороні Баумана. У альбомі художника з’явилися малюнки: атаки козаків на беззбройний народ, а затеми картина, виконана темперою, «Солдатушки, бравы ребятушки, де ваша слава? «(1905, ГРМ), «Барикади, похорон М. Еге. Баумана «(1905, Держ. музей Революції СРСР), політичні карикатури, які викривали Миколи II як ката революції: «1905 рік: Після приборкання », «1905 рік. Види на врожай 1906 року «(1905, ГТГ).

В роки ще більше відшліфовується майстерність Серова-рисовальщика. Портреты-рисунки Ф. І. Шаляпіна, До. З. Станіславського, І. М. Москвина, У. І. Качалова, М. А. Римського-Корсакова, М. А. Врубеля, Л. М. Андрєєва становлять гордість російського искусства.

.

На межі 1890−1900 років художник звертається поваги минулому російської історії. З’являється цикл олівцевих малюнків, гуашей, акварелей, картин темперою, олією. Невеликі композиції здаються надзвичайно життєвими, ніби написані з натури («Виїзд на полювання Петра II і Єлизавети Петрівни », 1900, ГРМ).

Героическая епоха Петра 1, сувора й небувала, заволодіває уявою художника. Один із кращих композицій — темпера «Петро 1 «(1907, ГТГ). Петро на «журавлиних «ногах, грізний і стрімкий, рухається назустріч сильному вітрі. Його безглузда карнавальна почет (настільки незвичні форми приймають їх що розвіваються під вітром одягу) ніяк не просувається його. У стрімкому кроці Петра назустріч нової будівництві, в шаленіючій воді, в тоненьких щоглах кораблів, в несущихся хмарах — в усьому відчуття динаміки перетворень, що уможливилися завдяки натиску волі, енергії, вихревому тискові мужніх людей.

В травні 1907 року Сєров їде під Грецію, яка здійснила нею величезне враження. У античної класиці художник захоплений декоративністю пам’яток, їх домірністю. Він прагне втілити побачене і просить передати істота легендарної історії, красу міфології Еллади. Художник створює поетичне сказання «Викрадення Європи «(1910, ГТГ) й різні варіанти «Одіссея і Навзикаи «(1910, ГТГ, ГРМ).

Не менш цікава робота У. А. Сєрова тут. Його завісу до балету «Шахерезада «мав надзвичайний успіх у Парижі й у Лондоне.

Интересом до монументально-декоративному мистецтву було викликане і особливе рішення портрета танцівниці Іди Рубінштейн (1910, ГРМ). Сєров знаходив у вигляді акторки риси справжнього Сходу, і порівнював її з постатями античних барельефов.

В портретах останніх — Про. До. Орлової (1911, ГРМ), У. Про. Гіршмана (1911, ГТГ) — художник прагне загостреною виразності форми. Це особливо помітно в портреті Р. Л. Гиршман (1911, ГТГ) й у незакінченому портреті П. І. Щербатовой.

Рано вранці 22 листопада 1911 року.) У. А. Сєров поспішав на портретний сеанс до Щербатовым… упав і помер від нападу стенокардії… Помер розквіті творчості, у віці сорока шести лет…

Смерть художника вразила його сучасників. Преклонявшийся перед талантом майстра поет У. Брюсов писав: «Сєров був реалістом у кращому значенні цього терміну. Він чудово бачив безпомилково таємну правду життя, і те, що він писав, выявляло саму сутність явищ, іншими очі побачити не вміють » .